MERRY CHRISTMAS AND HAPPY NEW YEAR TO ALL
Tuesday, December 21, 2010
Thursday, December 16, 2010
BLACK CUBANS IN SOUTH FLORIDA
By Sergio Giral
Over the last decades Hispanic immigration have caused a major shift in the demographic complexion of the country. In Miami-Dade County only, this complexion is over 70% Hispanic -- with immigrants of Cuban descent making up the largest demographic. While an influx of Central and South Americans is both expanding and fragmenting the composition of Hispanics in the country, there is a growing group of Hispanics who have also played a significant role in this complexion, the Black Cubans.
To trace the history of Black Cubans from the days of the African slave trade, according to 1827 Census the Black and mulatto slaves and free came to compose approximately 60 % of the population. When Cubans began the Independence War against Spain, Blacks - free or slaves - strongly supported the revolt lead by Independence heroes, the poet Jose Marti and the mulatto liberator warrior, Antonio Maceo.
When US retreated from Cuba and the island had its own constitution that included the Platt amendment, the new administration favored Spanish immigration. Between 1900 and 1930 close to one million Spaniard arrived from Spain, and according to 1899 Census, Black and mestizo population decreased to 35%. Only a few outstanding Black-Cubans who distinguished themselves by Western educational standards had access to privileged circles. Black Cubans usually maintained low-income professions, which further deprived them of a social standard. Yet, the Cuban Constitution forbids any form of racial discrimination. No Black Cuban was banned to vote or denied access to public education.
Black and mestizo Cubans play a significant role within the strong dissident movement in the Island. Among the many prisoners of conscience in Cuba, Jorge Luis Garcia Perez is an undeniable example of courage, suffering harassment and torture for his hunger strikes demanding Human Rights and political freedom. In February 2010, Orlando Zapata Tamayo, a Cuban Mason and political activist died in prison after fasting for more than 80 days. Guillermo Fariñas, an independent journalist who has been involved in a peaceful campaign for freedom of expression in Cuba, started a hunger strike that lasted 4 months calling for the release of prisoners of conscience. Fariñas was awarded the Andrei Sakharov Prize for Freedom of Thought by the European Parliament and Cuban authorities denied him the exit permit needed to travel outside the country. Dr. Oscar Elias Biscet, one of the 75 dissidents imprisoned in 2003 by the Cuban authorities, is a Black Cuban. Biscet was violently arrested and beaten while discussing a petition of Human Rights with16 other dissidents, condemned to 25 years sentence for "counter-revolutionary activities" and being kept in an infrahuman prison cell. Novelist and poet, Esteban Cardenas, arrested by State Security regarding unpublished manuscripts; Enrique Patterson, co-founded the Democratic Socialist Current, resulting in consecutive arrests. Ramon Colas, a former prisoner of conscience and founder of Independent Libraries of Cuba. In addition to sharing heroic dissidence, Vicki Ruiz Labrit, Marcos Lazaro Torres Leon, Omar Lopez Montenegro are among others Black Cuban dissidents.
Due to today’s increasing of Blacks population in Cuba which possible could be compared to the 1836 Census, as a 51% mulatto (mixed white and black), 37% white, 11% black, and 1% Chinese, it’s difficult to assess the impact and role of Black Cubans in South Florida from days of slavery to their significance in contemporary American society. Today seems hard to accomplish and to fill a void in the recording and reporting of the Black Cuban experience as represented in both U.S. Census data and American popular culture. Without specific data on Cubans of African descendants, it seems that the only way to assess the role, which this group of Hispanics plays in our society today, is let our own daily experience be the judge.
By Sergio Giral
Over the last decades Hispanic immigration have caused a major shift in the demographic complexion of the country. In Miami-Dade County only, this complexion is over 70% Hispanic -- with immigrants of Cuban descent making up the largest demographic. While an influx of Central and South Americans is both expanding and fragmenting the composition of Hispanics in the country, there is a growing group of Hispanics who have also played a significant role in this complexion, the Black Cubans.
To trace the history of Black Cubans from the days of the African slave trade, according to 1827 Census the Black and mulatto slaves and free came to compose approximately 60 % of the population. When Cubans began the Independence War against Spain, Blacks - free or slaves - strongly supported the revolt lead by Independence heroes, the poet Jose Marti and the mulatto liberator warrior, Antonio Maceo.
For centuries, Black Cubans had played a recognized role in the struggle for independence in a truly multiracial term. The Cuban cigar workers, who arrived in Tampa from Key West in 1886, are an example of this historical continuity. About 15% of the Cuban population of Ybor City and West Tampa would be Black Cubans found them segregated from white Cubans, and separated by Black-Americans by language, culture and religion. During his stay in Ybor City, Jose Marti declared the necessity of a united front beyond racial differences to liberate Cuba from the colonial Spanish dominium, declaring that being Cuban was "more than white, more than black”. This alliance it’s proved by an incident in which Martí narrowly escaped poisoning by Spanish agents, and found protection and friendship under the roof of Ruperto and Paulina Pedroso, prominent Black-Cubans. For her aid to the cause, Paulina has been called the "second mother" to the apostle.
Patriotic organizations as Club Nacional Cubano founded by Jose Ramon Safeliz in 1890 and Sociedad la Union Marti-Maceo founded by Black-Cubans patriots in Tampa in 1900, were composed of members with not distinction of race, however, the group split along racial lines due to the pressures of the segregated South under Jim Crow Laws.When US retreated from Cuba and the island had its own constitution that included the Platt amendment, the new administration favored Spanish immigration. Between 1900 and 1930 close to one million Spaniard arrived from Spain, and according to 1899 Census, Black and mestizo population decreased to 35%. Only a few outstanding Black-Cubans who distinguished themselves by Western educational standards had access to privileged circles. Black Cubans usually maintained low-income professions, which further deprived them of a social standard. Yet, the Cuban Constitution forbids any form of racial discrimination. No Black Cuban was banned to vote or denied access to public education.
After Fidel Castro took power in 1959, the first Cuban leap to South Florida was mainly wealthy and well-educated whites who slipped easily into society. Meanwhile, Castro developed a well-orchestrated propaganda on segregation and racial discrimination in United States that intimidated the Black population who opposed the regime. To this end, many Black Cubans migrated to cities like New York, where other Black Latinos groups had established an important presence. However, by 1965, the United States’ history of slavery, segregation and racism was superseded to by the achievements of its Civil Rights Movement. As a result, the potential for racial equality in the United States soon became a contributing factor in many Black Cubans’ decision to immigrate to the United States. This fact provoked a significant number of Black in the Mariel’s migration and the 1995 boatlift explosion.
Cubans living under a totalitarian regime have to survive within a “culture of fear”, developing a system of survival for their physical and psychological needs according to what restrictions imposes the State. Consider well the Black population. Black Cubans suffer discrimination and are considered alleged delinquents and drifters by the authorities. The penal population is almost exclusively Black. Currently, blacks and mulattos continue to be discriminated against in government leadership positions, even though they make up over half the population very few hold seats in the Central Committee and Castro's military leadership has practically no blacks in its ranks. Black Cubans have less access to dollars, since Cuban exiles that support their families in Cuba are predominantly white.
Due to today’s increasing of Blacks population in Cuba which possible could be compared to the 1836 Census, as a 51% mulatto (mixed white and black), 37% white, 11% black, and 1% Chinese, it’s difficult to assess the impact and role of Black Cubans in South Florida from days of slavery to their significance in contemporary American society. Today seems hard to accomplish and to fill a void in the recording and reporting of the Black Cuban experience as represented in both U.S. Census data and American popular culture. Without specific data on Cubans of African descendants, it seems that the only way to assess the role, which this group of Hispanics plays in our society today, is let our own daily experience be the judge.
Wednesday, December 15, 2010
Friday, December 10, 2010
Now Playing: Movie History
By MEKADO MURPHY
Artículo publicado el 3 de diciember, 2010 en The New York Times
Una mirada a los carteles de cine creados en las últimas siete décadas por el diseñador Bill Gold.
Mekado Murphy escribe:
Si usted ha ido al cine durante las últimas siete décadas, lo más probable es que Bill Gold tenga algo que ver con esto. Un diseñador que ha creado los carteles para algunas de las películas más conocidas en la historia, el Sr. Gold golpeó ese delicado equilibrio entre el arte y el comercio, creando obras que obtuvieron un merecido reconocimiento en el mundo del diseño y atrajeeron a las audiencias para comprar entradas.
Crédito: Bill Gold/Reel Art Press
Reproducción en curso: durante su carrera el Sr. Gold, 89, creó más de 2.000 carteles, de "Casablanca" en 1942 a "Mystic River" en 2003. En el camino, él y su empresa diseñaron los carteles para "Cool Hand Luke," "El Exorcista", "My Fair Lady," "Tarde de Perros" y "Alien". Una selección de este trabajo se ha recogido en un considerable nuevo libro retrospectivo llamado "Proyecto de ley Gold Posterworks." "Sé lo que los carteles de película deberían parecerse, instintivamente," dijo el Sr. Gold, que vive en Old Greenwich, Connecticut, "...he mirado los de MGM y Paramount y todas las empresas y nunca me gustaron lo que he visto. Siempre he encontrado fallas con el hecho de que mostraban tres cabezas de los actores y que es sobre todo el concepto que se utilizarían. Y cuando comencé a trabajar, pensé: no quiero hacer un concepto con tres cabezas en ella. Quiero una historia." El Sr. Gold trabajó en campañas de carteles para laas películas de Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick y Federico Fellini, pero su relación más importante fue con Clint Eastwood. Los dos comenzaron a trabajar juntos en 1971 cuando el Sr. Gold creó el cartel de "Harry el sucio" y continuó hasta que el Sr. Gold se retiró en 2004. Esta presentación ofrece un vistazo a varios de sus creaciones en los decenios, con comentario de él en la génesis de los diseños.
Para ver estos carteles ir a: The New York Times
Casablanca
Primera asignación del Sr. Gold en 1942 después de ser contratado por el departamento de arte de Warner Brothers en Nueva York fue "Casablanca". "Pensé que todos los personajes de esta película son muy importantes, por lo que yo quería en el cartel,"dijo, "ponerlos en segundo plano y poner a Ingrid Bergman en frente de ellos en el lado izquierdo de Bogart, pero yo quería que estuviera buscando detrás de él. Yo no quería sugerir que existía una relación amorosa." El estudio hizo una petición, querían vender a Bogart como una estrella y preguntaron si el póster podría ser más emocionante. "Así que regresé y puse una pistola en su mano," dijo. "Funcionó".
The Rope (La Soga)
"The Rope", que es acerca de dos hombres jóvenes que asesinan a un ex compañero de clase en su apartamento y anfitrionan una cena en la escena del crimen, fue el primero de siete que el Sr. Gold trabajó para las películas de Alfred Hitchcock. "Aquí el truco mostraba a Jimmy Stewart sosteniendo un trozo de cuerda", explicó. "¿Qué va a pasar con ese trozo de cuerda? Eso me instiga la curiosidad de la idea de la película. Al principio las letras fueron muy nítidas, casuales y típicas. Y a continuación, sentí que necesitaban algo para ser más activa, para que se movieran más, por lo que les añadí las líneas".
¿Y sobre esas nubes rojas? "Traen drama al cielo", dijo"no es un cielo de sedimentación. El rojo hace imponer más."
House of Wax (Museo de Cera)
"House of Wax", una fiesta de mal gusto protagonizada por Vincent Price, fue la primera película 3D a color de un estudio importante. ¿"Encontramos esto en mi gabinete de archivo en la parte inferior del cajón cuando fui a buscar materiales para el libro," dijo el Sr. Gold del cartel. "El editor dijo: tenemos que mostrar'. No estoy realmente contento con ese diseño. Es tipo de cursi y barato.» Dijo, «pero es la primera vez que salía una producción masiva en 3-D y es una pieza muy importante de la historia. El diseño fue tan tonto y evidente, pero eso es lo que queríamos mostrar, queríamos mostrar que las cosas saltaban fuera de la pantalla a las personas. No es algo de que me sienta orgulloso, pero es un comienzo de todos modos. "
Barbarella
Para obtener la sensación de la era espacial para este cartel de finales de los 60 en la ciencia ficción de Roger Vadim, el Sr. Gold experimentó con las formas e imágenes fijas. "Los fragmentos son un truco de diseño para darle algo que no es normal", dijo. "Normalmente tendría cuadros hacia abajo en el lado mostrando todas las imágenes fijas, pero esto tiene una ruptura de la emoción, como algo que ha volado. Las piezas parecen estar volando fuera del centro. Así que aquí Jane Fonda es grande hasta la parte superior y a continuación, cuando vienes hacia abajo, hay una pequeña figura poco sexy con la etiqueta de línea «Vea a Barbarella hacer lo suyo» ¿Cuál es lo suyo? Nos encantaría verlo."
A Clockwork Orange (La naranja mecánica)
El cartel que se utiliza en la campaña nacional para "Deliverance" mostró manos procedentes del río sosteniendo un fusil. Pero los ejecutivos a cargo de la campaña internacional querían algo un poco más dinámico para representar una película acerca de un viaje de canoa de fin de semana al infierno. ¿"Así que pensé, no sería estupendo si tenía una calidad tridimensional y parecíera que iba a salir fuera del ojo de uno de los personajes sureños," dijo el Sr. Gold de la mirada de Dalíesque. La línea de etiqueta "Lo que sucedió a orillas del río Cahulawassee?" agrega un misteriosos toque final.
Mystic River (Río Místico)
Para el cartel final, que el Sr. Gold trabajó antes de retirarse, quería mantener las cosas simples. "'Menos es más' es lo que Clint siempre diría," recordó. "Fui a Boston y permanecí allí durante aproximadamente un mes y filmado muchas fotos." Pero en lugar de utilizar imágenes fijas para "Mystic River", adaptación de Clint Eastwood de una novela de Dennis Lehane, finalmente decidió ir con una silueta de los tres personajes principales reflejada en el agua, sus vidas al revés por acontecimientos dramáticos. La imagen final fue un compuesto de una fotografía e ilustración junto con la línea de la etiqueta del diálogo de la película: "Nosotros enterramos nuestros pecados aquí. Nos dejan limpio."
By MEKADO MURPHY
Artículo publicado el 3 de diciember, 2010 en The New York Times
Una mirada a los carteles de cine creados en las últimas siete décadas por el diseñador Bill Gold.
Si usted ha ido al cine durante las últimas siete décadas, lo más probable es que Bill Gold tenga algo que ver con esto. Un diseñador que ha creado los carteles para algunas de las películas más conocidas en la historia, el Sr. Gold golpeó ese delicado equilibrio entre el arte y el comercio, creando obras que obtuvieron un merecido reconocimiento en el mundo del diseño y atrajeeron a las audiencias para comprar entradas.
Crédito: Bill Gold/Reel Art Press
Reproducción en curso: durante su carrera el Sr. Gold, 89, creó más de 2.000 carteles, de "Casablanca" en 1942 a "Mystic River" en 2003. En el camino, él y su empresa diseñaron los carteles para "Cool Hand Luke," "El Exorcista", "My Fair Lady," "Tarde de Perros" y "Alien". Una selección de este trabajo se ha recogido en un considerable nuevo libro retrospectivo llamado "Proyecto de ley Gold Posterworks." "Sé lo que los carteles de película deberían parecerse, instintivamente," dijo el Sr. Gold, que vive en Old Greenwich, Connecticut, "...he mirado los de MGM y Paramount y todas las empresas y nunca me gustaron lo que he visto. Siempre he encontrado fallas con el hecho de que mostraban tres cabezas de los actores y que es sobre todo el concepto que se utilizarían. Y cuando comencé a trabajar, pensé: no quiero hacer un concepto con tres cabezas en ella. Quiero una historia." El Sr. Gold trabajó en campañas de carteles para laas películas de Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick y Federico Fellini, pero su relación más importante fue con Clint Eastwood. Los dos comenzaron a trabajar juntos en 1971 cuando el Sr. Gold creó el cartel de "Harry el sucio" y continuó hasta que el Sr. Gold se retiró en 2004. Esta presentación ofrece un vistazo a varios de sus creaciones en los decenios, con comentario de él en la génesis de los diseños.
Para ver estos carteles ir a: The New York Times
Casablanca
Primera asignación del Sr. Gold en 1942 después de ser contratado por el departamento de arte de Warner Brothers en Nueva York fue "Casablanca". "Pensé que todos los personajes de esta película son muy importantes, por lo que yo quería en el cartel,"dijo, "ponerlos en segundo plano y poner a Ingrid Bergman en frente de ellos en el lado izquierdo de Bogart, pero yo quería que estuviera buscando detrás de él. Yo no quería sugerir que existía una relación amorosa." El estudio hizo una petición, querían vender a Bogart como una estrella y preguntaron si el póster podría ser más emocionante. "Así que regresé y puse una pistola en su mano," dijo. "Funcionó".
The Rope (La Soga)
"The Rope", que es acerca de dos hombres jóvenes que asesinan a un ex compañero de clase en su apartamento y anfitrionan una cena en la escena del crimen, fue el primero de siete que el Sr. Gold trabajó para las películas de Alfred Hitchcock. "Aquí el truco mostraba a Jimmy Stewart sosteniendo un trozo de cuerda", explicó. "¿Qué va a pasar con ese trozo de cuerda? Eso me instiga la curiosidad de la idea de la película. Al principio las letras fueron muy nítidas, casuales y típicas. Y a continuación, sentí que necesitaban algo para ser más activa, para que se movieran más, por lo que les añadí las líneas".
¿Y sobre esas nubes rojas? "Traen drama al cielo", dijo"no es un cielo de sedimentación. El rojo hace imponer más."
House of Wax (Museo de Cera)
"House of Wax", una fiesta de mal gusto protagonizada por Vincent Price, fue la primera película 3D a color de un estudio importante. ¿"Encontramos esto en mi gabinete de archivo en la parte inferior del cajón cuando fui a buscar materiales para el libro," dijo el Sr. Gold del cartel. "El editor dijo: tenemos que mostrar'. No estoy realmente contento con ese diseño. Es tipo de cursi y barato.» Dijo, «pero es la primera vez que salía una producción masiva en 3-D y es una pieza muy importante de la historia. El diseño fue tan tonto y evidente, pero eso es lo que queríamos mostrar, queríamos mostrar que las cosas saltaban fuera de la pantalla a las personas. No es algo de que me sienta orgulloso, pero es un comienzo de todos modos. "
Barbarella
Para obtener la sensación de la era espacial para este cartel de finales de los 60 en la ciencia ficción de Roger Vadim, el Sr. Gold experimentó con las formas e imágenes fijas. "Los fragmentos son un truco de diseño para darle algo que no es normal", dijo. "Normalmente tendría cuadros hacia abajo en el lado mostrando todas las imágenes fijas, pero esto tiene una ruptura de la emoción, como algo que ha volado. Las piezas parecen estar volando fuera del centro. Así que aquí Jane Fonda es grande hasta la parte superior y a continuación, cuando vienes hacia abajo, hay una pequeña figura poco sexy con la etiqueta de línea «Vea a Barbarella hacer lo suyo» ¿Cuál es lo suyo? Nos encantaría verlo."
A Clockwork Orange (La naranja mecánica)
Para la "A Clockwork Orange," pesadilla distópica de Stanley Kubrick, el Sr. Gold pasó seis meses trabajando en diseños de cartel en blanco y negro antes de llegar a este póster. La ilustración, dibujada por Ivan Punchatz, muestra al personaje principal, Alex DeLarge, como una figura de sacrificio para la ciencia. "Fue más de un concepto de diseño simbólico", dijo el Sr. Gold. Nunca se utilizó el cartel. "Lo presentamos a Kubrick y a él le gustó. Él es muy duro, muy exigentes. Él sabe exactamente lo que quiere. Es brillante y tiene sabor fenomenal. Pero esto no le gustaba. Supongo que era demasiado científico mirando. Quería más de un aspecto de la violencia de carne y hueso."
DeliveranceEl cartel que se utiliza en la campaña nacional para "Deliverance" mostró manos procedentes del río sosteniendo un fusil. Pero los ejecutivos a cargo de la campaña internacional querían algo un poco más dinámico para representar una película acerca de un viaje de canoa de fin de semana al infierno. ¿"Así que pensé, no sería estupendo si tenía una calidad tridimensional y parecíera que iba a salir fuera del ojo de uno de los personajes sureños," dijo el Sr. Gold de la mirada de Dalíesque. La línea de etiqueta "Lo que sucedió a orillas del río Cahulawassee?" agrega un misteriosos toque final.
Mystic River (Río Místico)
Para el cartel final, que el Sr. Gold trabajó antes de retirarse, quería mantener las cosas simples. "'Menos es más' es lo que Clint siempre diría," recordó. "Fui a Boston y permanecí allí durante aproximadamente un mes y filmado muchas fotos." Pero en lugar de utilizar imágenes fijas para "Mystic River", adaptación de Clint Eastwood de una novela de Dennis Lehane, finalmente decidió ir con una silueta de los tres personajes principales reflejada en el agua, sus vidas al revés por acontecimientos dramáticos. La imagen final fue un compuesto de una fotografía e ilustración junto con la línea de la etiqueta del diálogo de la película: "Nosotros enterramos nuestros pecados aquí. Nos dejan limpio."
Thursday, December 9, 2010
NAKED BEACH
A scene from an original screenplay by Sergio Giral.
PETE’S APARTMENT INT. DAY
A small place with naked walls. A couch next to a coffee table and an
armchair. In a corner a naked dinning table. Next to it, a drawer. Throughout a door a small dark bedroom can be seeing. MIKE writes compulsively on his lap top. PETE opens the litttle bag and takes a pinch of dust and sniffs. SANIBEL paints her toenails seated on the armchair.
PETE
Where are you from, Mike?
MIKE answers while typing.
MIKE
What do you mean where am I from?
PETE
Yes, where do you come from?
MIKE
Well I was born here, in Florida.
My father is American and my mother Hispanic.
Why? Why do you ask me that?
PETE
Then you must know a lot about racial issues?
MIKE
Like any other American, I guest.
PETE
It doesn't seem so....
MIKE
Why?
PETE
Look by yourself.
PETE goes to the tables and throws to MIKE some pages from the script. MIKE reads some lines.
MIKE
What's wrong with it?
PETE
Okay, let me ask you a question.
Would you let you sister get fucked by a nigger?
MIKE
Well, If she loves him, why not?
PETE
Mike. you're worse than I thought. You're a nigger lover.
MIKE
Fuck you, PETE! I just ain't racist. That's all.
PETE
Perhaps because you aren’t white enough
MIKE
Cut that shit. I'm white.
PETE
Let me tell you things that you don't know. Where the
differences are. My grandparents came from Germany.
Yours, hell knows where from. Look at Sanibel, she’s a Jew.
That’s why she is so unhappy.
SANIBEL remains silent and stops painting her toenails.
MIKE
I won't discuss that crap with you. It is my script and
you don't have any right to criticizes it.
PETE
But you’re writing about me. Aren’t you?
MIKE
You know, PETE, we are through with this shit, I'm sorry
it didn't work out. Thank you for your help but I think this
is all over.
MIKE stands up and close the laptop.
PETE
Cool it down, man! This is just the beginning.
I want you to write a true story not any fucking
ideology shit loaded into your head.
America is a racist country and you know it,
whites are racist and motherfucker niggers are racist too.
Tell me Mike. Are you racist?
MIKE
In a way, everybody likes to look someone down.
PETE
You see!.. (To Sanibel) Now, tell me, Sanibel, are you racist?
SANIBEL stands up and starts to leave to the room.
PETE
She doesn’t know Jewish are racist too…she’s stupid.
SANIBEL
Cut that crap, PETE
PETE
You’re just a piece of shit, Sanibel. A poor Jewish hooker
piece of shit.
SANIBEL
Fuck you, PETE!
She runs to the next room. PETE returns to MIKE
PETE
Stand by reality, Mike, don't want to turn me into
a black stupid turd. No argues, Mike. Keep me being white,
MIKE returns to his typing. PETE traces few lines of dust. He snorts and offers to MIKE.
MIKE
Not now… continue!
PETE relaxes on the couch and keeps on telling.
PETE
My old man used to tell me "PETE, America is full of queers,
Jews and niggers. We are the only pure blood here.
We have to kick them out of our Arian nation."
MIKE
Your old man was a mo'fuck. Do you think like him?
PETE
I'm cooler. I'm more democrat. I don't mind,
as long as they don't bother me. If they do, I could kill.
MIKE
Have you ever killed?
PETE
Back home, some time ago, me and my friend Alan
used to bash immigrants. Mexicans, Haitians, Jamaicans
All the scum of the world. We waited for them by night, in a
dark alley outside their bars. Alan pretended to be an
immigration officer and ask them for documentation, then I
would come by the back and beat the shit out of them mother
fuckers before they even can say shit. Some had money, some
had jewelry. Others, nothing...Those got the worse beatings.
One way ticket to hell.
MIKE
Which means, you have killed
PETE
Well, maybe. (He shrugs) I never knew what the fuck
happened to them, but once we had a tough one.
A Haitian he was, a real tough trade.
PETE stands up goes to a wooden box and takes out an iron mitt and stick it in his fingers.
PETE
I hit him in the face. He began bleeding but kept on fighting.
We rolled all over the street. Then Alan came from behind
And did something to the nigger. Don’t know what.
I was barely conscious and I heard a groan, as somebody
drowning, and the bastard stopped hitting me. We ran out of
the place. Next morning, I heard the news about a Haitian who
was found dead in the same spot where we were
the night before. He had his throat sliced open.
I can't tell if he was the one; I mean I don’t know for sure,
but any way, I have nothing to loose. Alan killed him, not me.
PETE snort one more line.
MIKE
What ever happened with your friend Alan?
PETE
He was caught one day and end in jail.
You see, Mike. He had a very bad temper, never knew how to
say I'm sorry or excuse me... He was a real fucking ass hole.
Another inmate killed him…A nigger son-of-a bitch killed him.
MIKE
Well, what goes around comes around!
Well, what goes around comes around!
Naked Beach copyright 2007
Sunday, December 5, 2010
Emotiva propuesta revive a Virginia Woolf
Miriam Bermúdez y Yoan Vega en escena. Foto Miguel Pascual
DIARIO LAS AMERICAS.
Publicado el 12-04-2010
Por Jesús Hernández
Más vale tarde que nunca, afirma el viejo refrán. Comentario que debemos al estreno de Flores no me pongan, de la escritora cubana, afincada en Estados Unidos, Rita Martin, que el grupo Akuara Teatro, bajo la dirección de Yvonne López Arenal, presentara en la sala Havanafama hace tres semanas.
Asumir un argumento de esta envergadura, donde se trata de “revivir” un personaje tan célebre y polémico como la escritora inglesa Virginia Woolf (1882 – 1941), e incluso algo distante a nuestra cultura hispánica, es tarea de titanes. Aproximación que la autora evoca a partir de la aparición del espectro de Virginia por medio de un monólogo que, aludiendo al tiempo pasado, pero visto con la perspectiva de hoy, arremete contra todo lo que cree haberle hecho daño hasta enloquecerla. Vertiente que ratifica lo que el personaje fue y quedó por ser. De ahí el título Flores no me pongan. Una arriesgada apreciación que Rita Martin expone para hacer hablar al personaje sin mayores ataduras.
Desconozco el texto original y los ajustes que pudo haber tenido, pero percibo a la imagen fantasmagórica de Virginia secundada por las voces de quienes marcaron su vida de alguna manera. Sucesión de acusaciones y menciones de pasajes muy específicos que aluden al conflicto inminente, pero sin marcar con mucho énfasis el hilo conductor del argumento.
Hay alusiones que van desde la infancia, su condición de esposa y seductora, escritora triunfal y reprochada, hasta mujer adelantada a su época, experiencias lésbicas y el aparente golpe final que pudo haber sido el bombardeo nazi a su ciudad. Un texto que resulta ser ligeramente reflexivo y exige la atención minuciosa del lector o el público en este caso.
De hecho, Yvonne López Arenal asume la puesta en escena con una escenografía mínima e imprescindible que resulta ser efectiva. Una mesa de poca altura sirve de asiento y estrado primero, y luego es lecho para los placeres, mientras un par de teléfonos que cuelgan del techo parece aludir al contacto inevitable del personaje con la realidad.
Miriam Bermúdez interpreta a Virginia bajo la dirección de Ivonne con una emotiva caracterización que, si bien resulta ser emocional y convincente, deja a este espectador con el deseo de haber presenciado un aumento gradual de la intensidad.
Las voces que persiguen a Virginia tienen por rostro a Joan Vega. Un joven actor que, ...sin interponerse a la actuación de Miriam, interactúa con la actriz y logra desglosar algunas de las caracterizaciones que traen la dosis necesaria de realismo a la obra y sobre todo la esperada comprensión del “conflicto inminente”. Interpretación conjunta que, acompañada con movimientos corporales, resalta el atractivo poético que emana la mención del personaje en cuestión.
El uso de ciertas citas literarias evoca el entorno natural del sujeto, mientras otras más recientes, así como la música compuesta por Aurelio de la Vega, las canciones de The Beatles y el ya célebre We are the champions de Queen, lo acerca a nuestro tiempo, que es cuando, definitivamente, tiene lugar la aparición del espectro.
En Flores no me pongan Rita Martin apuesta ante todo por la liberación del pensamiento femenino y para ello emplea a Virginia Woolf por ser precisamente una heroína. Jugada y desafío que Yvonne López Arenal secunda con buenos deseos para darnos una de las proposiciones argumentales más emotivas del año.
Dirección: Yvonne López Arenal.
Miriam Bermúdez y Yoan Vega.
Thursday, December 2, 2010
TRASH HUMPERS
Las travesuras de unos viejos indecentes.
Por Sergio Giral
Dirigido por Harmony Korine y producido por Agnes B. Robin Foz y Amina Dasmal “Trash Humpers” (2009), me ha deajdo con la sensación de haber visto un film que se debate entre lo banal y lo trascendental. Se trata de una exposición desnuda de conductas enajenadas de tres viejos vagundos. Los personajes son actores caracterizados de viejos que deambulan por las calles desiertas a las afueras de Tennessee y comenten distintos actos de vadalismo y perversión. Los personnejes, embalsamados tras máscaras de arrugas transparentes, participan en un delirio antisocial que incluye la destrucción de televisores y objetos abandonados en las calles, rascabucheo a través de las ventanas del vecindario, masturbación pública, sexo colectivo con latones de basura y árboles y un asesinato. A menudo se desplazan en sillas de ruedas que luego abandonana en su faena destrutora, mientras comentan idioteces y cantan viejas coplas sobre demonios que cortan cabezas. Los escasos diálogos equivocos y generalmente absurdos crean un distanciamiento que permite observar la trama sin identifise con ella. Si tomamos a estos personajes desde un punto de vista biológico, obtendríamos una pila de tarados producto de contínuos incestos, enfermedades venéreas y alcoholismo crónico. Si lo vemos producto de un contexto social, serían unos aberrados sicópatas herederos de confederación sureña, la ignorancia y la locura senil. Sea lo uno o lo otro, estos personajes encarnan un verdadero detritus social sin salida ni solución. Pero para su director Harmony Korine “son cómicos, con un elemento de vodevil de terror en lo que hacen. Bailan así como rompen cosas y prenden fuego sólo para divertirse”. Con esta declaración Korine define su nihilismo estético y su compromiso con las imágenes transgesoras de un caos social. Esta dualidad temática se observa en la utilización de muñecas de plástico arrastradas a lo largo de calles desiertas, machucadas a martillszos o descuartizadas a mano limpia, que expresan el desprecio de estos viejos libidinosos por la cordura o simplemente un irresponsadable acto infatil desprovisto de toda maldad, como es la escena del crimen, en que se asfixia a un redneck vecino con una bolsa plástica sin motivo más aparente que una diversión más.
"Trash Humpers" fue filmada por Korine durante dos semanas inenterrumpidas con un equipo obsoleto de VHS. Sus intérpretes fueron el propio Korine, su esposa Rachel como la vieja libidinosa y actores amigos. La trama y sus acciones se fueron improvisando sobre la marcha en los distintos escenarios y este tratamiento incidental dio al film una estructura caótica y una autenticidad en los actos vandálicos de sus personajes. El corte y la edición del filme hecha por Korine, no persiguió continuidad de la acción dramática y dejó los defectos técnicos de la grabación como un valor expresivo más. El film fue editado con dos equipo VCRs y no se eliminaron las fallas técnicas a propósito, imágenes analógicas degradadas, regrabadas, estropeadas con estáticas, con marcas de registros y de agua. En fin, la imagen cruda de una cinta VHS. Este deliverado estilo logra documentar una realidad cotideana que puede tomarse como un auténtico video casero abandonado en una calle y realizado por un anónimo aficionado con mucha esponteneidad y escasos recursos técnicos y expresivos. Una suerte de material de archivo desordenado e inservible, como el propio título del film expresa en sus varios significados. Humper: una joroba de la espina dorsal, el acto de coito, la pareja en el acto del coito, Trash: algo o persona inútil, desechable; de mala reputación, material literario o artística de calidad inferior y los desperdicios de un proceso mecánico o industral.
Las travesuras de unos viejos indecentes.
Por Sergio Giral
Dirigido por Harmony Korine y producido por Agnes B. Robin Foz y Amina Dasmal “Trash Humpers” (2009), me ha deajdo con la sensación de haber visto un film que se debate entre lo banal y lo trascendental. Se trata de una exposición desnuda de conductas enajenadas de tres viejos vagundos. Los personajes son actores caracterizados de viejos que deambulan por las calles desiertas a las afueras de Tennessee y comenten distintos actos de vadalismo y perversión. Los personnejes, embalsamados tras máscaras de arrugas transparentes, participan en un delirio antisocial que incluye la destrucción de televisores y objetos abandonados en las calles, rascabucheo a través de las ventanas del vecindario, masturbación pública, sexo colectivo con latones de basura y árboles y un asesinato. A menudo se desplazan en sillas de ruedas que luego abandonana en su faena destrutora, mientras comentan idioteces y cantan viejas coplas sobre demonios que cortan cabezas. Los escasos diálogos equivocos y generalmente absurdos crean un distanciamiento que permite observar la trama sin identifise con ella. Si tomamos a estos personajes desde un punto de vista biológico, obtendríamos una pila de tarados producto de contínuos incestos, enfermedades venéreas y alcoholismo crónico. Si lo vemos producto de un contexto social, serían unos aberrados sicópatas herederos de confederación sureña, la ignorancia y la locura senil. Sea lo uno o lo otro, estos personajes encarnan un verdadero detritus social sin salida ni solución. Pero para su director Harmony Korine “son cómicos, con un elemento de vodevil de terror en lo que hacen. Bailan así como rompen cosas y prenden fuego sólo para divertirse”. Con esta declaración Korine define su nihilismo estético y su compromiso con las imágenes transgesoras de un caos social. Esta dualidad temática se observa en la utilización de muñecas de plástico arrastradas a lo largo de calles desiertas, machucadas a martillszos o descuartizadas a mano limpia, que expresan el desprecio de estos viejos libidinosos por la cordura o simplemente un irresponsadable acto infatil desprovisto de toda maldad, como es la escena del crimen, en que se asfixia a un redneck vecino con una bolsa plástica sin motivo más aparente que una diversión más.
"Trash Humpers" fue filmada por Korine durante dos semanas inenterrumpidas con un equipo obsoleto de VHS. Sus intérpretes fueron el propio Korine, su esposa Rachel como la vieja libidinosa y actores amigos. La trama y sus acciones se fueron improvisando sobre la marcha en los distintos escenarios y este tratamiento incidental dio al film una estructura caótica y una autenticidad en los actos vandálicos de sus personajes. El corte y la edición del filme hecha por Korine, no persiguió continuidad de la acción dramática y dejó los defectos técnicos de la grabación como un valor expresivo más. El film fue editado con dos equipo VCRs y no se eliminaron las fallas técnicas a propósito, imágenes analógicas degradadas, regrabadas, estropeadas con estáticas, con marcas de registros y de agua. En fin, la imagen cruda de una cinta VHS. Este deliverado estilo logra documentar una realidad cotideana que puede tomarse como un auténtico video casero abandonado en una calle y realizado por un anónimo aficionado con mucha esponteneidad y escasos recursos técnicos y expresivos. Una suerte de material de archivo desordenado e inservible, como el propio título del film expresa en sus varios significados. Humper: una joroba de la espina dorsal, el acto de coito, la pareja en el acto del coito, Trash: algo o persona inútil, desechable; de mala reputación, material literario o artística de calidad inferior y los desperdicios de un proceso mecánico o industral.
Harmony Korine nació en Bolinas, California, en 1973 y vivió en sus primeros años en Nashville, Tennessee y New York. A la edad de 19 años escribió el guión de "Kids" (1995), para el director Larry Clark, donde probó su capacidad de observación de la conducta sexual de los jóvenes norteamericanos durante la crisis epidémica del SIDA. Más tarde realizó su primer largometraje "Gummo" en 1997. sobre dos adolescentes que matan el tiempo en un pequeño pueblo, montando bicicletas, oliendo goma de pegar para drogarse, haciendose bromas y pagando por el sexo con la hermana de un amigo. "Gummo" estableció el estilo fílmico de Korine sin un desarrollo narrativo ni un desenlace particular, que más tarde seguiría en sus próximos filmes.
A pesar que Trash Humpers no es para todos los públicos, dado su carácter provocativo y desenfadado que lo sitúa entre los filmes malditos que gozan del prestigio de la originalidad, ha obtenido buenos resultados en su distribución en DVD. Y su producción, al contrario del presupuesto de $1,300,000 de su antecesor "Gummo", parece no haber costado nada. Cerca del final del film, el personaje de la vieja basurera entra a una casa a escondidas y secuestra a un bebé real, escena que hororiza después de haber visto las de muñecas plásticas golpeadas a martillazos y arrastrado detrás de bicicletas. Este ejemplo de trangresión y contracultura finaliza con una montaje de fábricas, establecimientos solitarios y calles desiertas alumbradas por farolas que iluminan la noche en las afueras de Nashville, un paisaje estoico y testigo de lo que podría ser la imagen desoladora e inquietante de la locura americana.
Wednesday, December 1, 2010
Por Sergio Giral
Sigo los pasos que dejan las huellas que me conducen a un simulacro de la actualidad. El movimiento y el gesto me aseguran y comprueban que se donde estoy y lo que hago ya ha sido hecho. Los detalles no interesan. Se aprecian en un instante una sola vez y después se olvidan. Solo los locos registran en notas apuradas los detalles del movimiento.
El movimiento es una fuga de la contemplación. Me muevo por la necesidad de superar un espacio anterior. Anteriomente inmediato. Sigo los pasos que dejan las huellas de ayer y que me conducen a un simulacro de la actualidad. Salvar las distancias es cuestión de puntos de vista. El movimiento se produce en un conjunto de códigos y formulas acopiada durantes siglos y llevadas a la vida cotideana. Soy cotidiano. La tecnología es cotidiana a pesar del tiempo recorrido en su concepción.
Las ciudades son extrañas porque se empeñan en disitinguirse de las demás.. Simulan nuevos gesto y alteran el movimiento. Enmascaran el rostro y se pintan el cuerpo como los nativos de continentes perdidos, para distinguirse de las otras.
En la ciudad el movimiento es necesario para mantener el recuerdo activo. A veces el movimiento se interrumpe por la necesidad de superar un espacio anterior inmediato. Superar los pasos que dejan las huellas que conducen a un simulacro de la actualidad. Otras se interrumpe por causas ajenas que responde a la necesidad de otros de comprobar que la memoria se mantiene intacta..
Lugares que una vez tuvieron sentido práctico. Se les utilizó hasta la saciedad, hasta envejecerlos y poder reconstruirlos en la memoria. Objetos que integran un sistema de sobrevivencia, constantemente renovados por especialistas en el olvido. Escamoteadores del pasado. Objetos que se repiten inanimados en la memoria
Desde que el hombre inventó la rueda para eternizar el movimiento, no hubo mayor descubrimiento para atestiguar los actos repetidos en el tiempo que captar la imagen en movimiento.
El cine es un fósil vivo y palpitante. Un invento del siglo atómico. El cine es la repetición constante del acto y el gesto. La eternización del tiempo y el espacio. El ojo fijo y ajeno que nos permite reconocernos en otros.
La television es una forma de narcisismo electrónico. Un ojo doméstico y ajeno que nos mira y nos devuelve la imagen que somos y queremos ser, y nunca seremos. La televisión nos permite abandonar la concentración en la imagen y dedicarnos a otros actos. Al regreso, la imagen continua exacta e invariable.
Una foto es la mínima expresión de una imagen captada en el tiempo. La más abstracta y a la vez la más concreta forma de inmortalidad. De ella me atrajo el gesto, la expresión. Luego la necesidad de trascender en actos repetidos que conservan intacta la memoria. Repetidos continuamente con el fin de recibir el mismo mensaje anterior, que asegure donde estoy y porque he elegido ese lugar.
El espacio y el movimiento se comparten por la necesidad de vencer la distancia que nos separa de la soledad. Las distancias que nos separa de otras ciudades. Los actos y los gestos quedan grabados en la memoria o en los inventos del hombre desde los dias de la rueda.
Los dias transcurren y las temporadas cambian. Con ellas la gente comienza a comportarse de forma diferente. La gente cambia con mucha facilidad. Las alteraciones en el espacio provocan cambios en el movimiento. Una presencia nueva, extraña contradice los gestos y los actos anteriores y nos obligan a recurrir a la memoria. Reconstruir los hechos.
Resulta difícil ser observado por uno mismo. Vigilar los gestos y los movimientos a lo largo del tiempo. Una opción es la imagen reflejada en el espejo que repite los mismo gestos. Los mismos movimientos. Una imagen parcial de la realidad en terminos de tiempo y espacio.
El espejo es el mejor amigo del hombre. Nunca lo traiciona. El cine, la telvisión y la fotografía son manipulables, de resultados equívocos. Los detalles no interesan. Se aprecian en un instante una sola vez y después se olvidan. Solo los locos registran en notas apuradas los detalles del movimiento.
Tuesday, November 30, 2010
Pentagon study: Gays could serve with no harm
By ANNE FLAHERTY, Associated Press Anne Flaherty, Associated Press – Tue Nov 30, 6:22 am ET
WASHINGTON – The Pentagon study that argues that gay troops could serve openly without hurting the military's ability to fight is expected to re-ignite debate this month on Capitol Hill over repealing the 17-year-old "don't ask, don't tell" policy.
Officials familiar with the 10-month study's results have said a clear majority of respondents don't care if gays serve openly, with 70 percent predicting that lifting the ban would have positive, mixed or no results. The officials spoke on condition of anonymity because the findings hadn't been released.
Defense Secretary Robert Gates and Chairman of the Joint Chiefs of Staff Adm. Mike Mullen, who have both said they support repealing the law, were scheduled to discuss the findings with Congress Tuesday morning and with reporters Tuesday afternoon.
Republicans, led by Sen. John McCain of Arizona, have mostly opposed repealing the law because they say efforts to do so are politically driven and dangerous at a time of two wars.
"This was a political promise made by an inexperienced president or candidate for presidency of the United States," McCain told CNN's "State of the Union" last weekend.
"The military is at its highest point in recruitment and retention and professionalism and capability, so to somehow allege that this policy has been damaging the military is simply false," McCain said.
Democrats and gay rights groups counter that the study finally proves what they've known anecdotally for years: Most troops would accept an openly gay person in their units.
"It's what we expected. The atmosphere in the active-duty has changed," said a gay Air Force officer and co-founder of the advocacy group OutServe. The officer uses the pseudonym "JD Smith" to protect his identity.
By ANNE FLAHERTY, Associated Press Anne Flaherty, Associated Press – Tue Nov 30, 6:22 am ET
WASHINGTON – The Pentagon study that argues that gay troops could serve openly without hurting the military's ability to fight is expected to re-ignite debate this month on Capitol Hill over repealing the 17-year-old "don't ask, don't tell" policy.
Officials familiar with the 10-month study's results have said a clear majority of respondents don't care if gays serve openly, with 70 percent predicting that lifting the ban would have positive, mixed or no results. The officials spoke on condition of anonymity because the findings hadn't been released.
Defense Secretary Robert Gates and Chairman of the Joint Chiefs of Staff Adm. Mike Mullen, who have both said they support repealing the law, were scheduled to discuss the findings with Congress Tuesday morning and with reporters Tuesday afternoon.
Republicans, led by Sen. John McCain of Arizona, have mostly opposed repealing the law because they say efforts to do so are politically driven and dangerous at a time of two wars.
"This was a political promise made by an inexperienced president or candidate for presidency of the United States," McCain told CNN's "State of the Union" last weekend.
"The military is at its highest point in recruitment and retention and professionalism and capability, so to somehow allege that this policy has been damaging the military is simply false," McCain said.
Democrats and gay rights groups counter that the study finally proves what they've known anecdotally for years: Most troops would accept an openly gay person in their units.
"It's what we expected. The atmosphere in the active-duty has changed," said a gay Air Force officer and co-founder of the advocacy group OutServe. The officer uses the pseudonym "JD Smith" to protect his identity.
Wednesday, November 24, 2010
HAPPY THANKSGIVING
We will speed the day when all of God's children, black men and white men, Jews and Gentiles, Protestants and Catholics, will be able to join hands and sing. Free at last, free at last. Thank God Almighty, I'm free at last. Dr. Martin Luther King Jr.
Monday, November 22, 2010
DORIS WISHMAN O LOS DESEOS INDECENTES.
Por Sergio Giral
La obra de Doris con más de 30 films es una de las más extensas de este género. Entre estos “Los Peligros Sexuales de Paulette en 1965, Deseos Indecentes en 1967 y Mucho y Demasiado en 1968. Su prolífera carrera no se detuvo y durante los años setenta realiza Satan era una Mujer y Ven conmigo, Mi Amor, dos films explicitos sexuales conocidos en el género como hardcore. Otro de los temas que motivó a Doris fue la transexualidad y uno de sus trabajos más conocidos es el docudrama , Déjame Morir Mujer de 1978 donde participa la actriz-porno Harry Reems. Por su incursión en este género se le compara con Ed Wood por la esponteineidad y la total libertad del discurso fílmico.
A finales del los noventa, Doris realizó un remake de su film Satan era una Mujer, en esta ocasión un soft-porno que obtuvo Premio Especial del jurado en el New York Underground Film Festival 2001. Otros de los hits sexploitation de Doris es Deadly Weapons, con la actriz porno Chesty Morgan y guión de la sobrina de Doris, Judith Kushner. Cuenta la historia de Zsa Zsa, una ejecutiva de publicidad que persigue a los asesinos de su novio (Harry Reems) y que se hace pasar por una sripteaser para seducirlos, endrogarlos y finalmente asfixiarlos con sus enormes pechos, para descubrir al final de su venganza que su propio padre fue quien ordenó la ejecución de su amado. Este es el primer film de Doris con Chesty Morgan, famosa por su busto de 73 pulgadas, más tarde realiza con la actriz , Double Agent 73, en que una mujer espía lleva una cámara de microfilms implantada en una de sus poderosas mamas y en la otra una bomba.
Entre las técnicas asombrosas y audaces de esta cineasta fue el uso de escena de sus anteriores films en otro nuevos, mezclandolas y reeditandolas de tal forma que congeniaran con el nuevo tema. Una de estas escenas es la de una bella mujer nadando bajo el agua que aparece en tres diferentes de sus films. Conocer a esta pionera del culto porno sentada frente a la suite de edición en VHS es una de mis grandes experiencias en el mundo de la realización cinematográfica. En aquellos momentos Doris se encontraba editando su penúltimo film y digo su penúltimo ya que en muchas ocasiones la cineasta predijo que a su muerte “continuaría haciendo films en el infierno”.
Su título, Each Time I Kill, filmado en Miami por su colaborador de siempre C. Davis Smith, que cuenta con la actriz Tiffany Paralta interpretando a una joven estudiante que cambia su físico con el de sus víctimas cada vez que comete un crimen y donde John Waters hace un extraño cameo. Este film fue terminado post-mortem y estrenado en el New York Underground Film Festival en 2007. Doris es más que una experiencia en la vida del cine independiente, su obra ha trascendido a la dimensión de culto y por demás al ámbito celeste del cine de explotación sexual. Su extensa cinematografía es distribuida hoy día en formato DVD para disfrute de los amantes del cine kitch, naïf, trash, sexploitaion o como se le quiera llamar.
Doris Wishman nació el la ciudad de New York en 1912 y murió en la ciudad de Miami el 10 de Agosto de 2001.
Por Sergio Giral
Doris Wishman
Concí a Doris Wishman en el Alliance, una organización fílmica de Miami Beach ubicada en Licoln Road. Entre sus múltiples servicios que incluían proyecciones de cine de ensayo y hasta un Festival de las Americas, que llegué a dirigir, el Alliance brindaba servicio de edición a los cinestas independietnes de la zona en una suite VHS junto a su editor Abel Klainbaum, un joven entusiasta de la localidad. Yo me encontraba editando un documenal sobre los derechos humanos de los gays y lesbianas en Miami, Chronicle of an Ordinance, y coincidí en varias ocaciones con Doris en el lugar. Es más, en algunos casos tuvimos que esperar que uno terminara su turno de edición para comenzar el otro. Doris era una dulce viejita de cuatro pies de altura y ademanes resueltos. Poco sabía de ella e imaginaba sus films romantizados en el marco tropical de Miami o tiernas fábulas infantiles. En una ocación Abel faltó y vi sentarse a Doris frente a la suite de edición y comenzar a cortar su propio film. Me acerqué curioso y con el pretexto de preguntarle por el editor, le eché una mirada furtiva a la pantalla del monitor. Para mi sorpresa vi la imagen de una mujer desnuda que gritaba horrorizada bajo la paliza de un maniaco. ¿Pero qué hacía esa cineasta en sus 80 años realizando un film sexual?
Durante los años sesenta la revolución sexual, los hippies y la guerra de Viet-Nam dieron como resultado una explosión de cine conocido como sexploitation, una zona límite entre la pornografía dura y la blanda. Muchos son los títulos que conforman este movimiento cinematográfico. Para entonces Doris, cineasa autodidacta, era una bella mujer casada e interesada en el nudismo que la llevara a realizar ocho films entre 1960 y 1964 sobre este tema. Entre esos títulos se encuentran Blaze Starr Goes Nudist (1962) y Gentlemen Prefer Nature Girls (1962). Su apreciación del desnudo femenino y la atmósfera tautológica reinante la inspiraron a dirigir sus films en dirección al género sexual con los medios técnicos que contaba en aquells momentos, su sentido de la estética y su dramatúrgia personal. Bad Girls Go to Hell (1965) es una de sus films más conocido y el más representativo del sexploitation en su filmografía. Realizado bajo el seudónimo de Louis Silverman, narra la historia de una chica que huye a la gran ciudad después de haber asesinado a su violador y termina víctima de los abusos sexuales propios de la metrópolis. En este film, como en muchos otros, Doris contó con la colaboración del director de fotografía C. Davis Smith. La obra de Doris con más de 30 films es una de las más extensas de este género. Entre estos “Los Peligros Sexuales de Paulette en 1965, Deseos Indecentes en 1967 y Mucho y Demasiado en 1968. Su prolífera carrera no se detuvo y durante los años setenta realiza Satan era una Mujer y Ven conmigo, Mi Amor, dos films explicitos sexuales conocidos en el género como hardcore. Otro de los temas que motivó a Doris fue la transexualidad y uno de sus trabajos más conocidos es el docudrama , Déjame Morir Mujer de 1978 donde participa la actriz-porno Harry Reems. Por su incursión en este género se le compara con Ed Wood por la esponteineidad y la total libertad del discurso fílmico.
A finales del los noventa, Doris realizó un remake de su film Satan era una Mujer, en esta ocasión un soft-porno que obtuvo Premio Especial del jurado en el New York Underground Film Festival 2001. Otros de los hits sexploitation de Doris es Deadly Weapons, con la actriz porno Chesty Morgan y guión de la sobrina de Doris, Judith Kushner. Cuenta la historia de Zsa Zsa, una ejecutiva de publicidad que persigue a los asesinos de su novio (Harry Reems) y que se hace pasar por una sripteaser para seducirlos, endrogarlos y finalmente asfixiarlos con sus enormes pechos, para descubrir al final de su venganza que su propio padre fue quien ordenó la ejecución de su amado. Este es el primer film de Doris con Chesty Morgan, famosa por su busto de 73 pulgadas, más tarde realiza con la actriz , Double Agent 73, en que una mujer espía lleva una cámara de microfilms implantada en una de sus poderosas mamas y en la otra una bomba.
Entre las técnicas asombrosas y audaces de esta cineasta fue el uso de escena de sus anteriores films en otro nuevos, mezclandolas y reeditandolas de tal forma que congeniaran con el nuevo tema. Una de estas escenas es la de una bella mujer nadando bajo el agua que aparece en tres diferentes de sus films. Conocer a esta pionera del culto porno sentada frente a la suite de edición en VHS es una de mis grandes experiencias en el mundo de la realización cinematográfica. En aquellos momentos Doris se encontraba editando su penúltimo film y digo su penúltimo ya que en muchas ocasiones la cineasta predijo que a su muerte “continuaría haciendo films en el infierno”.
Su título, Each Time I Kill, filmado en Miami por su colaborador de siempre C. Davis Smith, que cuenta con la actriz Tiffany Paralta interpretando a una joven estudiante que cambia su físico con el de sus víctimas cada vez que comete un crimen y donde John Waters hace un extraño cameo. Este film fue terminado post-mortem y estrenado en el New York Underground Film Festival en 2007. Doris es más que una experiencia en la vida del cine independiente, su obra ha trascendido a la dimensión de culto y por demás al ámbito celeste del cine de explotación sexual. Su extensa cinematografía es distribuida hoy día en formato DVD para disfrute de los amantes del cine kitch, naïf, trash, sexploitaion o como se le quiera llamar.
Doris Wishman nació el la ciudad de New York en 1912 y murió en la ciudad de Miami el 10 de Agosto de 2001.
Wednesday, November 17, 2010
A 30 años del Mariel: Manuel Ballagas y Reinaldo G.
Friday, Nov. 19, 6:30 p.m., Room 3209 (Building 3, 2nd Floor)
Reinaldo García Ramos
Poeta, editor y traductor. Perteneció al grupo de escritores El Puente (1962-1964), con el cual publicó su primer poemario Acta (1962). Además ha publicado los poemarios El buen peligro (1987), Caverna fiel (1993), En la llanura (2001), Únicas ofrendas, cinco poemas (2004) y El ánimo animal (2008). En el año 2006 ganó el XI Premio Internacional de Poesía Luys Santamarina con su libro Obra del fugitivo. En esta edición de la Feria, Reinaldo García Ramos presentará su testimonio Cuerpos al borde de una Isla. Mi salida por el Mariel, en el que García Ramos emplea un tono periodístico para relatar su experiencia durante el puente marítimo del Mariel.
Schedule
Friday, Nov. 19, 6:30 p.m. Free Add to Schedule
Location
Miami Book Fair International * Miami Dade College
300 NE Second Ave., Miami, FL 33132
Room 3209 (Building 3, 2nd Floor)
Friday, Nov. 19, 6:30 p.m., Room 3209 (Building 3, 2nd Floor)
Manuel Ballagas
Periodista y escritor. Llegó a Estados Unidos en 1980. Antes de su retiro en el 2009, trabajó en The Miami Herald, The Wall Street Journal y The Tampa Tribune. Presentará en la Feria su primera novela, Descansa cuando te mueras (Lulu Press), donde cuenta con gran sentido del humor las peripecias de Manny, un inmigrante cubano que vive en La Pequeña Habana y descubre que el sueño americano es una falacia. Las notas de la contraportada del libro, afirman que esta historia “es heredera de la mejor novela picaresca española y del realismo sucio”.Reinaldo García Ramos
Poeta, editor y traductor. Perteneció al grupo de escritores El Puente (1962-1964), con el cual publicó su primer poemario Acta (1962). Además ha publicado los poemarios El buen peligro (1987), Caverna fiel (1993), En la llanura (2001), Únicas ofrendas, cinco poemas (2004) y El ánimo animal (2008). En el año 2006 ganó el XI Premio Internacional de Poesía Luys Santamarina con su libro Obra del fugitivo. En esta edición de la Feria, Reinaldo García Ramos presentará su testimonio Cuerpos al borde de una Isla. Mi salida por el Mariel, en el que García Ramos emplea un tono periodístico para relatar su experiencia durante el puente marítimo del Mariel.
Schedule
Friday, Nov. 19, 6:30 p.m. Free Add to Schedule
Location
Miami Book Fair International * Miami Dade College
300 NE Second Ave., Miami, FL 33132
Room 3209 (Building 3, 2nd Floor)
LUIS GARCIA BERLANGA, CINESTA ESPAÑOL, MUERE DE 89 AÑOS.
Por BRUCE WEBER
Publicado: 15 de noviembre de 2010 The New York Times
Traducción S.G.
Luis García Berlanga, un influyente cineasta español que había buraldo al régimen fascista del general Francisco Franco y sus censores con sátiras sociales astutamente subversivas, murió el sábado en Madrid. Se fue de 89.
De acuerdo con Marsh, se dice lo que el propio Franco pesaba sobre la controversia, declarando, "Berlanga no es un comunista; es peor que un comunista, es un mal español". (Aunque el título del film en español es "El verdugo", se tradujo "Not in Your Life" cuando fue lanzada en los Estados Unidos en 1965.)
Berlanga nació en una familia acomodada de terrateniente en la provincia costera mediterránea de Valencia el 12 de junio de 1921. Su padre era un representante en el Parlamento nacional que, después de la guerra civil, fue arrestado y sentenciado a muerte; Después de luchar contra el franquismo hacia el final de la guerra, el joven Luis se ofreció voluntariamente para una división del ejército de Franco en un esfuerzo por salvar la vida de su padre. (la sentencia del padre de Berlanga fue conmutada y permaneció en prisión hasta 1952.)
Berlanga creció interesado en el cine mientras estudiaba literatura en Madrid, y se matriculó en la escuela de cine de la estatal, donde se reunió con Bardem. Una información completa sobre los descendientes de Berlanga no fue disponible este lunes. La Associated Press informó que tiene un hijo, Fernando. The Guardian, de Londres, dice que sus supervivientes incluye a su esposa, María Jesús Manrique y tres hijos.
Después de "El Verdugo," Berlanga continuó realizando películas hasta 1999, incluyendo dos obras, protagonizada por el actor francés Michel Piccoli, "Tamaño Natural" en 1973 y "Timbuktú de París" en 1999, su última película de largometraje, una comedia picaresca sobre un hombre acosado por la impotencia y la ansiedad milenaria que despega en un viaje en bicicleta desde Francia a África, donde piensa suicidarse en la víspera de año nuevo.
"Como la oblicua irreverencia de todos los grandes cómicos, Berlanga ha demostrado indisciplina y real subversión donde un cine más explícito e ideológicamente motivado a menudo fracasa", escribió Marsh en 2003 y añadió: "el compromiso popular de Berlanga le hace ser una especie de utópico, pero es alguien que nunca perdió su su mirada caústica hacia los aspectos ridículos del poder".
Artículo original The New York Times
Por BRUCE WEBER
Publicado: 15 de noviembre de 2010 The New York Times
Traducción S.G.
Luis García Berlanga, un influyente cineasta español que había buraldo al régimen fascista del general Francisco Franco y sus censores con sátiras sociales astutamente subversivas, murió el sábado en Madrid. Se fue de 89.
Luis García Berlanga
(Agencia Europea de Pressphoto)
Junto con Luis Buñuel y Juan Antonio Bardem, Berlanga fue un pionero del cine moderno en España, que se desarrolló después de la guerra civil española en reacción a las películas dogmáticas y a menudo con temas religiosas alentadas por el régimen de Franco: principalmente musicales, melodramas y comedias populares desdentadas. Bardem (cuyo sobrino es el actor Javier Bardem) le ayudó a encontrar las empresas de producción Altamira y Uninci, que, en 1961, produjo "Viridiana", sátira de Buñuel sobre la piedad. Buñuel, quien no había hecho una película en España desde antes de la guerra, que se inició en 1936, fue invitado por el régimen de Franco, pero "Viridiana" fue prohibida hasta después de la muerte de Franco en 1975.
Entre las más célebres películas de Berlanga se incluye la primera, "Bienvenido, Mister Marshall!", un cuento sobre los preparativos exuberante de los habitants de un pueblo andaluz en 1952, al creer erróneamente en la inminente llegada del apoyo financiero estadounidense bajo el Plan Marshall, el programa de ayuda exterior de la segunda guerra post-world. (España nunca fue uno de los beneficiarios del Plan Marshall, oficialmente conocido como el programa de recuperación Europea.) Escrito por Berlanga y Miguel Mihura y dirigida por Berlanga, "Bienvenido, Mister Marshall!" fue una adorable y algo ácida parodia de todo, desde la Iglesia Católica a las autoridades españolas a la dominante posición americana en el mundo de posguerra. Según el estudioso de cine Steven Marsh, a la película se le negó un premio en el Festival Internacional de cine de Cannes cuando un juez, el actor Edward G. Robinson, la vetó por considerarla antiestadounidense.
Berlanga, quien fue influenciado por los cineastas del neorealismo italianos, colaboró en varias películas con el guionista Rafael Azcona, incluyendo dos de ellas que a menudo se les consideran sus mejores. Una, "Plácido" (1961), una película de Navidad con intención satírica sobre una ciudad en la que todos las familias ricas se ponen de acuerdo para invitar a una persona pobre a la cena de la víspera de Navidad, fue nominada al Oscar a la mejor película de lengua extranjera. Una segunda, "El Verdugo" (1963), fue una comedia negra sobre un hombre joven que hereda, del padre de su nueva novia, el trabajo estatal de verdugo. Esta causó un revuelo internacional cuando el gobierno español, que recientemente había ejecutado a tres oponentes políticos, trataron de impedir su proyección en el Festival de cine de Venecia. De acuerdo con Marsh, se dice lo que el propio Franco pesaba sobre la controversia, declarando, "Berlanga no es un comunista; es peor que un comunista, es un mal español". (Aunque el título del film en español es "El verdugo", se tradujo "Not in Your Life" cuando fue lanzada en los Estados Unidos en 1965.)
Berlanga nació en una familia acomodada de terrateniente en la provincia costera mediterránea de Valencia el 12 de junio de 1921. Su padre era un representante en el Parlamento nacional que, después de la guerra civil, fue arrestado y sentenciado a muerte; Después de luchar contra el franquismo hacia el final de la guerra, el joven Luis se ofreció voluntariamente para una división del ejército de Franco en un esfuerzo por salvar la vida de su padre. (la sentencia del padre de Berlanga fue conmutada y permaneció en prisión hasta 1952.)
Berlanga creció interesado en el cine mientras estudiaba literatura en Madrid, y se matriculó en la escuela de cine de la estatal, donde se reunió con Bardem. Una información completa sobre los descendientes de Berlanga no fue disponible este lunes. La Associated Press informó que tiene un hijo, Fernando. The Guardian, de Londres, dice que sus supervivientes incluye a su esposa, María Jesús Manrique y tres hijos.
Después de "El Verdugo," Berlanga continuó realizando películas hasta 1999, incluyendo dos obras, protagonizada por el actor francés Michel Piccoli, "Tamaño Natural" en 1973 y "Timbuktú de París" en 1999, su última película de largometraje, una comedia picaresca sobre un hombre acosado por la impotencia y la ansiedad milenaria que despega en un viaje en bicicleta desde Francia a África, donde piensa suicidarse en la víspera de año nuevo.
"Como la oblicua irreverencia de todos los grandes cómicos, Berlanga ha demostrado indisciplina y real subversión donde un cine más explícito e ideológicamente motivado a menudo fracasa", escribió Marsh en 2003 y añadió: "el compromiso popular de Berlanga le hace ser una especie de utópico, pero es alguien que nunca perdió su su mirada caústica hacia los aspectos ridículos del poder".
Artículo original The New York Times
Monday, November 15, 2010
NUEVA NOVELA DE SERGIO GIRAL
Villa Miseria es algo más que una pensión para cineastas y artistas bohemios en el barrio habanero del Vedado. En ella -y... Más > en los personajes que por ella transitan- el autor ve la metáfora de la erosión y el deterioro de una nación entera bajo la dictadura de Fidel Castro. Unos... vegetan, otros mueren y algunos afortunados escapan a su inevitable derrumbe, pero sus quebradas estructuras y cimientos sobreviven contra viento y marea, desafiando cualquier pronóstico.
Este libro se puede adquirir en Lulu.com
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Sunday, November 14, 2010
TEMPORADA DE LA FLORIDA GRAND OPERA, MIAMI
Comienza esta semana la Temporada de la Florida Grand Opera en el Arsht Center-Ziff Opera House con la óper de G. Puccini, TURANDOT. Para los fans una copia del poster que se diseño para el estreno de esta obra.
Colaboración de Amado Cuba
Sunday, November 7, 2010
VIRGINIA QUIERE FLORES.
Foto: Iván Cañas. En la foto Miriam Bermúdez y Yoan Vega.
Diario Las Américas 11/06/2010.Por Jesús Hernández
El estreno de una obra que promete llamar la atención es motivo de celebración. Texto concebido por la escritota cubana Rita Martin, afincada en Miami, bajo el título Flores no me pongan, que el grupo Akuara Teatro estrena en la sala Havanafama el viernes 12. “La pieza recoge los momentos finales de Virginia Woolf”, la célebre escritora inglesa, comentaba Yvonne López Arenal, directora de la puesta en escena. “Momentos cruciales de sus últimos minutos, así como un recuento los pasajes más importantes de su vida”, ampliaba. Una vida turbulenta que tuvo a la literatura como mejor aliada. Adeline Virginia Woolf (1882 – 1941) fue novelista, ensayista y escritora de cuentos, así como editora y feminista. La escritora que se quitara la vida tras un largo batallar contra ella misma. Considerada por muchos como una de las figuras más destacadas del modernismo literario en el siglo XX, continúa siendo una fuente inagotable para la escritura y la interpretación. “La pieza de Rita Martin es una historia irreverente que no está apta para menores”, afirmaba Yvonne. “Es el alma libre de Virginia. Una pieza atemporal que nada tiene que ver con el filme The Hours (2003) interpretado por Nicole Kidman”, clarificaba. Un alma libre que repasa polémicos temas como la sexualidad, el judaísmo y la guerra. Lectura dramatizada que tuvimos la oportunidad de disfrutar, bajo el auspicio del Instituto Cultural René Ariza (ICRA), en Miami el año pasado. “Esta es otra de las puestas en escena que son fruto de la serie de lecturas del ICRA”, recordaba la directora y también actriz, así como escritora, Yvonne López Arenal. “Un magnífico proyecto que ha dado a conocer la obra de escritores cubanos de Miami”, agregaba. Con Flores no me pongan el grupo Akuara Teatro asume su segunda representación, luego de una primera etapa en Los Ángeles bajo el nombre Avellaneda. La noche de Eva, escrita, dirigida e interpretada por Yvonne, fue la primera producción de la agrupación en Miami el pasado mes de junio. “Esta vez contamos con una escenografía sencilla, pero muy simbólica”, diseño de Arnaldo Simón, anticipaba la conductora de la representación. “Cada elemento tiene una función determinada. Incluso la música (compuesta por el maestro Aurelio de la Vega) tiene una función determinante”, ampliaba, “al ser mayormente música dodecafónica (doce tonos) la utilizo como la recreación de doce voces que persiguen a Virginia”. Miriam Bermúdez caracteriza al personaje principal, mientras Yoan Vega asume la interpretación oportuna de las muchas otras voces. “Originalmente el texto menciona voces que persiguen a Virginia, pero decidimos materializar esas voces con un actor”, explicaba.
“Estoy muy contenta con el fruto de los ensayos”, afirmaba Yvonne. “Miriam está muy entregada al personaje. La autora lo creó pensando en ella como actriz. Mientras Yoan está haciendo muy bien su parte”.
La pieza será estrenada el viernes, 12 de noviembre, 8.30 p.m. en la sala Havanafama Teatro Studio, 752 SW Avenida 10, Miami. Telef. 786 308 1764 y 786 319 1716. Funciones viernes y sábado 8.30 p.m. hasta el 20 de noviembre.
Publicado por ICRA en Saturday, November 06, 2010
Friday, November 5, 2010
CONQUERING THE WHITE
A Film Interview with artist José María Mijares
GIRAL MEDIA PRODUCTION announces a new production in the works, Conquering the White a documentary about the life and art of Jose Maria Mijares ( La Habana 1921-Miami 2004), produced and directed by Sergio Giral. In an impressive interview with Mijares, the artist tells his ordeal and achievement along his life, his up and down with escapism through drugs, and his final redemption when found true love in his last years. Mijares is one of the most outstanding Cuban painters who represent different stages and art currents from the thirties till today, in Cuba as well as in United State. Born in a humble cradle, Mijares always counted with his mother help to develop his talent and skills. “Neither poverty nor wealth determine anything in life; if you have something to say, you will say it, regardless of the circumstances”. This definite statement made by the artist tells of his iron will and rich personality.
This documentary depicts Mijares’ main concept about painting, when he expresses that “conquering the white is the philosophical stone of all painters, a white canvas is the challenge that every artist have to overcome’. Mijares, who is considered a Cuban cultural institution, died Mar 31 at age of 82 years in Miami as a result of respiratory problems. Cuban exiles and art lovers around the world will maintain their devotion to this unique artist. Conquering the White counts with biographic archival footage completing the portrait of this excellent artist.
Conquering the White, Miami 2010
Produced and Directed by Sergio Giral
Color (45 min.)
Spanish/English subtitles
A GIRAL MEDIA PRODUCTION
A Film Interview with artist José María Mijares
A scholarship allowed Mijares to study at San Alejandro, the traditional and famous Cuban Art School, where he shared his years of learning with celebrities, such as Fidelio Ponce, Carlos Enriquez, Rene Portocarrero, Cundo Bermudez and others from preceding generations. It was time of boundless art currents traveling throughout the world. European painters influenced their equivalent in distant places and Cuban painters were one of the must fortunate. This was the period Cuban culture gained prestige but also days where the art market was limited to middle class and some professionals. Many years has to pass until wealthy art collectors care for the extraordinary body or work of artists like Mijares.
Mijares left Cuba definitely in 1968. “Lack of freedom is what makes the system unbearable. There is no dictatorship of the proletariat, but of the police state. Some people can stand it; I would die”, expresses the artist in his interview. Since them, Mijares resided in Miami, dedicating his work to a valid and profound nostalgia of Cuban landscape, light and motives. “Exile hasn't affected me, because in my subconscious there is an inner landscape which is Cuba. Since I was exiled at an older age that landscape cannot be erased." This documentary depicts Mijares’ main concept about painting, when he expresses that “conquering the white is the philosophical stone of all painters, a white canvas is the challenge that every artist have to overcome’. Mijares, who is considered a Cuban cultural institution, died Mar 31 at age of 82 years in Miami as a result of respiratory problems. Cuban exiles and art lovers around the world will maintain their devotion to this unique artist. Conquering the White counts with biographic archival footage completing the portrait of this excellent artist.
Conquering the White, Miami 2010
Produced and Directed by Sergio Giral
Color (45 min.)
Spanish/English subtitles
A GIRAL MEDIA PRODUCTION
Wednesday, October 27, 2010
¿SABE USTED QUE ES UN OMNIBUS-FILM?
Por Sergio Giral
El llamado cine-omnibus es un filme que consta de varios cortos diferentes, generalmente con el mismo contenido temático o que responde a diferentes versiones de un mismo tema, la mayor de las veces dirigidos por distintos directores. El cine eruropeo se ha carectrerizado por exitosos filmes de esta naturaleza estructural. Dos ejemplos en la cinematografía italiana son Carrousele Napolitano y el L'Oro di Napoli. En Carrousele, filmada por Ettore Giannini en 1954 narra la historia de la ciudad desde la llegada de los musulmanes en el año 1300 hasta la Segunda Guerra Mundial, con el tránsito de las ocupaciones francesa, española, británica y estadounidense. Al final en un carrousele los arquetipos de la historia de la ciudad se comparten lo que cada cuald ha ofrecido a Napole, en una tarantela que frasea “tu me da una cosa a mí y yo te doy una cosa a ti”. En el L’Oro di Napoli, Vittori De Sica realiza un film de seis piezas dedicadas a la ciudad. Una de estas historias cuenta con la actuación de Sofia Loren, como la esposa de un vendendor de pizzas que pierde el anillo en un encuentro con el amante. La escena de la Loren caminando por las calles de Napoli moviendo sus robustos senos al compás de una tarantela resulta inolvidable. Silvana Mangano también se encuentra en el reparto interpretando a una prostituta que se debate entre la aceptación de los valores morales provincianos y su vida promiscua. Y más tarde con Boccaccio ' 70, cuatro directores italianos, Vitorio de Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli y Luchino Visconti relatan los cuentos eróticos del Decameron en versions modernas.
Les Sept péchés capitaux (Los Siete Pecasos Capitales), con dos episodios de Italia y cinco de Francia, ofrece una divertida y refinada versión de los infamantes pecados, donde Gerald Philipe presenta cada episodio en medio de una feria. El film cuenta con directores de la estatura de Roberto Rossellini, que dirige La Envidia con una historia de Colette y Aunt-Lara que dirige El orgullo, un delicioso cuento sobre una mujer de linaje venida a menos y brillantemente interpretado por Michelle Morgan y que por último sorprende con un "octavo capital" que es el pecado del mal de pensamiento dirigido por George Lacombe que hacen de este un film clásico.
Otra variación de este género, en cuanto diferentes historias compartiendo un solo tema con un punto central de reflexión, lo encontramos en “La Ronde” de francés Max Olphus, que comienza con la historia de una prostituta (Simone Signoret) y su relacion con un soldado, que luego tiene un romance con una joven sirvienta que a su vez sostiene una relación con el señorito de la casa, que a su vez será amante de una mujer casada y cuyo marido aristócrata terminará en brazos de la prostituta en este carrousel que recorre diferentes niveles de la frívola sociedad vienesa de 1900. Esta estructura dramática también la encontramos en El violín Rojo (1998) de Francoise Girad donde las historias giran en torno a los propietarios de un precioso violín del siglo XVI a través de los siglos. En 1962 Julien Duvivier realiza el humorístico omnibus film francés, The Devil and the Ten Commandments, con un elenco estelar que incluye a Michel Simon, Dany Saval , Charles Aznavour, Alain Delon, Jean-Claude Brialy y Fernandel el un personaje que declara ser Dios.
Hollywood ha aportado varias ejemplos de este corte. En The Illustrated Man (1968) basado en el libro de Ray Bradbury y dirigida por Jack Smight, relata los cuentos ciencia-ficción que ocultan los múltiples tatuajes que cubren el cuerpo de un hombre en busca de una mujer. Pret-a-Porte ( Ready to Wear) de Robert Altman (1994) permite un derroche de estrellas en sus varias historias entrelazadas en el mundo de un desfile de modas en París, así como en París, I Love You (2006), veinte cineastas entre los que se destacan Ethan y Joel Cohen, Gus Van Sant, y Wes Craven ofrecen viñetas de cinco minutos cada uno sobre la ciudad del amor, donde cada una de ellas comienza con el último plano de la anterior y termina con el primero de la siguiente. Les sigue los talones New York I Love You (2009), una co-producción franco-americana que narra diez historias de amor en la ciudad de Nueva York, de diferentes nacionalidades y en distintos idiomas, donde se destacan estrellas internacionales como Natalie Portman, Irrfan Khan, los cubanos Andy García y Emile Ohana, Ethan Hawke y James Caan entre otros. También Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, cuenta cinco historias entrelazadas con los mismos personajes en diferentes situaciones, narradas en forma inconexa y sin embargo brillantemente ejecutadas.
El cine latino ha recurrido a este género multi-narrativo. Canasta de Cuentos Mexicanos, dirigida por Juliio Bracho en 1956 y basada en tres cuentos de B. Traven (The Treasure of the Sierra Madre) donde figuran luminaries de la pantalla hispana tan connotadas como María Felix, Pedro Almendrariz y Arturo de Córdova y los americanos Jack Kelly y Mari Blanchard. En Amores Perros de Alejandro González Iñarritu tres historias conectadas por un mismo accidente de auto narran diferentes niveles de la vida en la capital mexicana. En Babel (2006), un film del mismo director, cuatro historias en diferentes paises del mundo (Marruecos, Japón y México) se conectan a través de un disparo de fusil.
Eros (2004), es un proyecto de Stephane Tchal Gadjieff, productor del ultimo largometraje de Micheangelo Antonioni (Más Allá de las Nubes), sobre una trilogía de cuentos eróticos que incidieran en la óptica del director italiano. Para esto se escogieron a dos directores más jóvenes, Steven Soderbergh y Wong Kar Wai. La historia de Soderbergh, "Equilibrio", con Robert Downey en el papel un hombre obsesionda con un sueño erótico que visita a un psiquiatra (Alan Arkin) demasiado ocupado en espiar a una mujer desnuda através de la vnetana. La película de Wong, La Mano, sobre un joven costurero (Chang Chen) enamorado de una clienta protituta de nivel (Gong Li) que consuela su amor desesperado en encuentros sexuales con la mano. Este film de Wong Kar Wai posee todo el encanto visual de In the Mood for Love. La película de Antonioni, "The Dangerous Thread of Things," por Tonino Guerra (" "L'Avventura’ ha sido descrita como una "aventura mental". Un americano y su esposa italiana son tan aburridos entre sí que apenas dan cuenta de la belleza de los paisajes circundantes de Antonioni.
Más recientemente tres cineastas no japoneses han realizado un omnibus-film, Tokyo (2008). El videasta francés Michel Gondry dirige el cuento Interior Design, en que una mujer joven encuentra su vida inútil y experimenta una metamorfosis. Leos Caraz (Los amantes del Pont Neuf) realiza Merde, un hombre auto llamado Mierda, que habla un idioma sólo comprendido por su abogado, surge de una alcantarilla, es arrestado, sometido a juicio y ejecutado. El surcoreano Bong Joon-ho dirige Shaking Tokyo, donde un hombre rompe su reclusorio al ayudar a una mensajera de pizaas que toca a su puerta durante un terremoto.
Son muchos los títulos de Omnibus-films que han recorrido las pantallas del mundo para expresar las realidades de diferentes culturas y las inquietudes de cinestas de diferentes latitudes. Es evidente que este género cinematográfico ofrece un espectro de talentos de cineastas y actores en un mismo film y recrea multiples variaciones de un mismo tema, pero no siempre esta estructura narrativa logra los resultados esperados. All the Invisible Children, un film de siete espisodios en el que participan varios cineastas internacionales de niveles como John Woo, Spike Lee, Ridley Scott, Emir Kusturica realizado para UNICEF en 2008, sobre el tema de los niños explotados en el mundo, no encontró la distribución adecuada a pesar de la participaióne de esos reconocidos cineastas de Hollywood.
Por Sergio Giral
El llamado cine-omnibus es un filme que consta de varios cortos diferentes, generalmente con el mismo contenido temático o que responde a diferentes versiones de un mismo tema, la mayor de las veces dirigidos por distintos directores. El cine eruropeo se ha carectrerizado por exitosos filmes de esta naturaleza estructural. Dos ejemplos en la cinematografía italiana son Carrousele Napolitano y el L'Oro di Napoli. En Carrousele, filmada por Ettore Giannini en 1954 narra la historia de la ciudad desde la llegada de los musulmanes en el año 1300 hasta la Segunda Guerra Mundial, con el tránsito de las ocupaciones francesa, española, británica y estadounidense. Al final en un carrousele los arquetipos de la historia de la ciudad se comparten lo que cada cuald ha ofrecido a Napole, en una tarantela que frasea “tu me da una cosa a mí y yo te doy una cosa a ti”. En el L’Oro di Napoli, Vittori De Sica realiza un film de seis piezas dedicadas a la ciudad. Una de estas historias cuenta con la actuación de Sofia Loren, como la esposa de un vendendor de pizzas que pierde el anillo en un encuentro con el amante. La escena de la Loren caminando por las calles de Napoli moviendo sus robustos senos al compás de una tarantela resulta inolvidable. Silvana Mangano también se encuentra en el reparto interpretando a una prostituta que se debate entre la aceptación de los valores morales provincianos y su vida promiscua. Y más tarde con Boccaccio ' 70, cuatro directores italianos, Vitorio de Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli y Luchino Visconti relatan los cuentos eróticos del Decameron en versions modernas.
Les Sept péchés capitaux (Los Siete Pecasos Capitales), con dos episodios de Italia y cinco de Francia, ofrece una divertida y refinada versión de los infamantes pecados, donde Gerald Philipe presenta cada episodio en medio de una feria. El film cuenta con directores de la estatura de Roberto Rossellini, que dirige La Envidia con una historia de Colette y Aunt-Lara que dirige El orgullo, un delicioso cuento sobre una mujer de linaje venida a menos y brillantemente interpretado por Michelle Morgan y que por último sorprende con un "octavo capital" que es el pecado del mal de pensamiento dirigido por George Lacombe que hacen de este un film clásico.
Otra variación de este género, en cuanto diferentes historias compartiendo un solo tema con un punto central de reflexión, lo encontramos en “La Ronde” de francés Max Olphus, que comienza con la historia de una prostituta (Simone Signoret) y su relacion con un soldado, que luego tiene un romance con una joven sirvienta que a su vez sostiene una relación con el señorito de la casa, que a su vez será amante de una mujer casada y cuyo marido aristócrata terminará en brazos de la prostituta en este carrousel que recorre diferentes niveles de la frívola sociedad vienesa de 1900. Esta estructura dramática también la encontramos en El violín Rojo (1998) de Francoise Girad donde las historias giran en torno a los propietarios de un precioso violín del siglo XVI a través de los siglos. En 1962 Julien Duvivier realiza el humorístico omnibus film francés, The Devil and the Ten Commandments, con un elenco estelar que incluye a Michel Simon, Dany Saval , Charles Aznavour, Alain Delon, Jean-Claude Brialy y Fernandel el un personaje que declara ser Dios.
Toshiro Mifune y machiko Kyo en Rashomon
Filmes de varias historias entrelazadas y dirigidas por el mismo director pueden ser consideracas como cine-omnibus, como es el caso de Rashomon (1950), de Akira Kusosawa, una joya del cinematografía universal, En Rashomon, siutado en el Japón del siglo XII, un samurai y su esposa son atacados por el famoso bandido Tajomaru que viola a la mujer y mata al samurai. Tajomaru es capturado y juzgado, pero su versión de los hechos difieren de; de la mujer, del propio samurai muerto que habla por boca de un medium y la de un leñador testigo del crimen cuya versión es completamente diferente a las demás. En la década de los 40’s el cine ingles contribuyó a esta modalidad con films como, Quartet (1948) y más tarde Trio (1950) basados en historias de William Somerset Maugham, presentadas en el film por el propio autor y realizadas por distintos directores. Hollywood ha aportado varias ejemplos de este corte. En The Illustrated Man (1968) basado en el libro de Ray Bradbury y dirigida por Jack Smight, relata los cuentos ciencia-ficción que ocultan los múltiples tatuajes que cubren el cuerpo de un hombre en busca de una mujer. Pret-a-Porte ( Ready to Wear) de Robert Altman (1994) permite un derroche de estrellas en sus varias historias entrelazadas en el mundo de un desfile de modas en París, así como en París, I Love You (2006), veinte cineastas entre los que se destacan Ethan y Joel Cohen, Gus Van Sant, y Wes Craven ofrecen viñetas de cinco minutos cada uno sobre la ciudad del amor, donde cada una de ellas comienza con el último plano de la anterior y termina con el primero de la siguiente. Les sigue los talones New York I Love You (2009), una co-producción franco-americana que narra diez historias de amor en la ciudad de Nueva York, de diferentes nacionalidades y en distintos idiomas, donde se destacan estrellas internacionales como Natalie Portman, Irrfan Khan, los cubanos Andy García y Emile Ohana, Ethan Hawke y James Caan entre otros. También Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, cuenta cinco historias entrelazadas con los mismos personajes en diferentes situaciones, narradas en forma inconexa y sin embargo brillantemente ejecutadas.
El cine latino ha recurrido a este género multi-narrativo. Canasta de Cuentos Mexicanos, dirigida por Juliio Bracho en 1956 y basada en tres cuentos de B. Traven (The Treasure of the Sierra Madre) donde figuran luminaries de la pantalla hispana tan connotadas como María Felix, Pedro Almendrariz y Arturo de Córdova y los americanos Jack Kelly y Mari Blanchard. En Amores Perros de Alejandro González Iñarritu tres historias conectadas por un mismo accidente de auto narran diferentes niveles de la vida en la capital mexicana. En Babel (2006), un film del mismo director, cuatro historias en diferentes paises del mundo (Marruecos, Japón y México) se conectan a través de un disparo de fusil.
Eros (2004), es un proyecto de Stephane Tchal Gadjieff, productor del ultimo largometraje de Micheangelo Antonioni (Más Allá de las Nubes), sobre una trilogía de cuentos eróticos que incidieran en la óptica del director italiano. Para esto se escogieron a dos directores más jóvenes, Steven Soderbergh y Wong Kar Wai. La historia de Soderbergh, "Equilibrio", con Robert Downey en el papel un hombre obsesionda con un sueño erótico que visita a un psiquiatra (Alan Arkin) demasiado ocupado en espiar a una mujer desnuda através de la vnetana. La película de Wong, La Mano, sobre un joven costurero (Chang Chen) enamorado de una clienta protituta de nivel (Gong Li) que consuela su amor desesperado en encuentros sexuales con la mano. Este film de Wong Kar Wai posee todo el encanto visual de In the Mood for Love. La película de Antonioni, "The Dangerous Thread of Things," por Tonino Guerra (" "L'Avventura’ ha sido descrita como una "aventura mental". Un americano y su esposa italiana son tan aburridos entre sí que apenas dan cuenta de la belleza de los paisajes circundantes de Antonioni.
Más recientemente tres cineastas no japoneses han realizado un omnibus-film, Tokyo (2008). El videasta francés Michel Gondry dirige el cuento Interior Design, en que una mujer joven encuentra su vida inútil y experimenta una metamorfosis. Leos Caraz (Los amantes del Pont Neuf) realiza Merde, un hombre auto llamado Mierda, que habla un idioma sólo comprendido por su abogado, surge de una alcantarilla, es arrestado, sometido a juicio y ejecutado. El surcoreano Bong Joon-ho dirige Shaking Tokyo, donde un hombre rompe su reclusorio al ayudar a una mensajera de pizaas que toca a su puerta durante un terremoto.
Son muchos los títulos de Omnibus-films que han recorrido las pantallas del mundo para expresar las realidades de diferentes culturas y las inquietudes de cinestas de diferentes latitudes. Es evidente que este género cinematográfico ofrece un espectro de talentos de cineastas y actores en un mismo film y recrea multiples variaciones de un mismo tema, pero no siempre esta estructura narrativa logra los resultados esperados. All the Invisible Children, un film de siete espisodios en el que participan varios cineastas internacionales de niveles como John Woo, Spike Lee, Ridley Scott, Emir Kusturica realizado para UNICEF en 2008, sobre el tema de los niños explotados en el mundo, no encontró la distribución adecuada a pesar de la participaióne de esos reconocidos cineastas de Hollywood.
Sunday, October 24, 2010
DOUGLAS SIRK SIN LAGRIMAS
Por DAVE KEHR
Publicado: 13 de octubre de 2010 The New York Times
Por DAVE KEHR
Publicado: 13 de octubre de 2010 The New York Times
Turner Classic Movies ha lanzado cuatro películas por Douglas Sirk que muestran la otra cara de este director que se ha dado a conocer por sus melodramas.
Dorothy Malone y Rock Hudson en "Tarnished Angels", una obsesión de muerte de Douglas Sirk.
El director Douglas Sirk se ha identificado casi exclusivamente por los melodramas profusamente producidos, emocionalmente y ostentosamente extravagantes que hizo cerca del final de su carrera en Hollywood con películas como "All That Heaven Allows" (1955), "Written on the Wind" (1956) y "Imitation of Life" (1959). Hoy un favorito de críticos de cine formalista tanto como por profesores de estudios culturales, estas películas una vez se celebraron casi con completo desprecio por los guardianes del buen gusto, que detestaron su explícito sentimentalismo y las rechazaron como telenovelas.
La tendencia en estos días es verlas en términos casi opuestos. Sirk, quien abandonó Hollywood con disgusto en la cúspide de su carrera para volver a su nativa de Europa, es visto como un hábil y sutil irónico que utiliza señales visuales, espejos y superficies duras, imágenes atravesadas por diagonales tensas, colores antinaturales y radiantes para desmeritar y criticar los valores de la clase media.
Este aspecto de su obra ha sido apropiado por varios cineastas contemporáneos. "All That Heaven Allows" la historia de una relación amorosa condenada entre una viuda de mediana edad (Jane Wyman) y un joven y guapo jardinero (Rock Hudson), inspiró a Rainer Werner Fassbinder para "Ali: El Miedo devora al alma" en 1974 y a Todd Haynes en "Far From Heaven" en 2002 y es el modelo de Luca Guadagnino para "I Am Love," el reciente éxito de art-house que acaba de aparecer en DVD.
Pero el melodrama sólo representa una parte del trabajo de Sirk y no necesariamente el más personal. Una nueva colección que se vende exclusivamente a través de Turner Classic Movies, llamada "Douglas Sirk: colección de cineasta," ofrece cuatro títulos que no fueron publicadas en DVD en los Estados Unidos, ninguno de ellos lacrimógenos. En su lugar existen, un drama ético-religioso situado en un convento ("Thunder on the Hill," 1951), un western, "Taza, hijo de Cochise," 1954, un espadachín ("Capitán Lightfoot," 1955) y una ambiciosa adaptación literaria, "The Tarnished Angels," 1958”. Por ser un director contratado por Universal, se esperaba que Sirk trabajara en una variedad de géneros y estilos. Durante su tiempo en el estudio también dirigió musicales, comedias románticas y filmes de la guerra, con diferentes grados de implicación personal en cada proyecto, pero invariablemente haciendo lo mejor para lograr los guiones que se le habían asignado.
Sirk abordó el melodramático "Thunder on the Hill," basada en una obra de Charlotte Hastings llamada "Bonaventure," en el espíritu de las películas de estudio de fina y completamente artificial producción, que se hicieron en Alemania antes de su auto-exilio en 1937. La trama requería un grupo de personajes atrapados en un convento en el este de Inglaterra por el aumento de las inundaciones y Sirk aprovechó la oportunidad para crear uno de los deslumbrantes "exteriores" en estudio que fueron la gloria de los Estudios Ufa en Alemania.
Con un sistema de regaderas y una batería de máquinas de viento que azotaba durante una noche como una gloriosa y exquisitamente iluminada tormenta, Sirk se divirtió apelando a las referencias bíblicas en esta historia de una monja con sentimiento de culpa (Claudette Colbert) que llega a creer que una asesina convicta a su cargo (Ann Blyth) no es culpable. En esta pieza literaria y no por última vez, Sirk parece permitirse alejarse de las actuaciones, pero utiliza el entorno del estudio para crear algunas espléndidas y falsas perspectivas con trucos de iluminación. El enfrentamiento culmina en un campanario que bien podría haber dejado huellas en el clímax de la película de Hitchcock "Vertigo."
Cuando Sirk llegó por primera vez a Universal, el estudio se esforzaba en convertir a un irresistiblemente buen tipo del medioeste en un ídolo, un no menos increible llamado Rock Hudson. Los intentos de endurecer la personalidad de Huson en pantalla, que se les adjudicó a directores de acción vigorosamente machista como Raoul Walsh y Budd Boetticher, habían resultado prometedores pero no espectaculares y finalmente Universal recurrió a Sirk.
"Taza, Son of Cochise" fue una semi secuela de "The Battle at Apache Pass" (1952) y no tanto una serie de películas de acción con que el estudio había comenzado a poner a Hudson. Pero con Hudson escogido para interpretar al hijo del Guerrero Cochise (con Jeff Chandler en su tercera aparición como el personaje) de voz suave y amante de la paz, Sirk minimizó la ira y la agresión del personaje y dejó la gentileza y la reticencia que emergian de Hudson. Cuando Sirk mantuvo esas características un paso más allá en su próxima película con Hudson, "Magnificent Obsession" (1954), el resultado fue un gran éxito, y al fin, el estudio tuvo la estrella que quería.
"Taza" y "Capitán Lightfoot," la historia de un revolucionario irlandés, rara vez se cuentan entre películas personales de Sirk. Sin embargo, ambas tienen una inusual sensación de aire libre y están llenas de un lírico trabajo de locaciones ("Captain Lightfoot" fue filmada en Irlanda, una práctica poco usual para el estandar ahorrativo de Universal) proyextos que probaban el amor de Sirk por la naturaleza y de los que habló apasionadamente en entrevistas y de los que más tarde tuvo pocas posibilidades de explorar en las frecuentes películas combinadas con los estudios. En ambas películas Hudson juega un desconocido ingenuo que, para obtener lo que quiere, debe adoptar la apariencia de su antagonista. (Én “Taza” se convierte en un policía uniformado de la reservación y en "Lightfoot", un revolucionario provinciano que se viste como un aristócrata de Dublín.) Actuaciones de papeles diferentes son tema comunes de Sirk, pero aquí parece que resumen la vida impostada de Hudson, ambos como un aspirante a actor como un hombre gay pasando por heterosexual.
El desenfrenado melodrama de Sirk "Written on the Wind" de 1956 (como "Magnificent Obsession" y "All That Heaven Allows," disponible en una excelente edición de Criterion), protagonizado por Hudson, Robert Stack y Dorothy Malone, fue la película de mayor recaudación de la Universal de la temporada. Sirk debió haber figurado que era tiempo para sacarle provecho a sus tres nuevas estrellas y elegirlas para una desenfadada película de arte.
Basado en "Pylon", una novela de William Faulkner de 1935 en gran medida olvidada, y filamda en CinemaScope blanco y negro, "The Tarnished Angels" es entre las creaciones más auto-consciente y artísticamente ambiciosas de Sirk, un sombrío e inquietante trabajo obstinado sobre la atracción erótica de la muerte. Hudson, tan auto diminuido que aparece en la pantalla, es un reportero de Nueva Orleans en 1932, que se encuentra mórbida e irresistiblemente atraido hacia LaVerne (Malone), una paracaídas profesional que a su vez está obsesivamente involucrada con su marido (Stack), un piloto atormentado por un marcado deseo por la muerte.
Aquí Sirk utiliza toda la gama de su técnica, de la profusión desorientadora de espejos y marcos dentro de marcos a imágenes de cortes rápidos que comentan amargamente e incluso cruelmente, las situaciones de los personajes: un borracho aullando con una máscara de la muerte que interrumpe el abrazo de la pareja; el paneo de un cadáver que se saca de una bahía a una pareja besándose apasionadamente en el asiento trasero de un auto.
Se trata de hacer un cine virtuoso al servicio de una visión cautivantes, no a diferencia de Orson Welles en "Touch of Evil," que el productor de "The Tarnished Angels," Albert Zugsmith, montaría para Universal un año más tarde. Sin embargo, hay momentos de sutileza casi microscópicos: el movimiento de cámara que expresan los cambios morales de los personajes de Hudson y Stack, donde uno crece más grande que el otro; la infinita ternura con que Hudson acaricia el pelo Malone, intentando comfortarla después de un problema.
Luego está Malone, quien ganó un Oscar como actriz de apoyo por su trabajo en "Written on the Wind", y que aquí da el verdadero rendimiento de su carrera con una angelical figura vestida de blanco intensamente iluminada por Sirk. Sus ojos grandes y claros transmiten una profunda tristeza y una experiencia que el persoanje de Hudson jamás conocerá. Douglas Sirk sabía cómo realizar una tormenta en un estudio, manejando luces y sonidos. También sabía cuando la tormenta ya estaba allí, respecto a la profundidad de los actores.
Monday, October 18, 2010
SOBRE LA POSTERIDAD Y LA CENSURA.
Por Sergio Giral
Las entidades internacionales dedicadas a la preservación y difusión del arte y las culturas nacionales generalmente enfocan sus percepciones hacia obras reconocidas por gobiernos y regímenes sin tomar en cuenta que en estos existen artistas vetados y censurados cuya obra ha sido escondida o sacada de la circulación. Este tiende a ser el caso del cine realizado por cineastas que abandonaron el barco del naufragio y nadaron hasta la orilla. Es de apreciar que algunos especialistas han rescatado nombres y títulos en manuales dedicados a la historia del cine cubano pero su gestión ha quedado a niveles del conocimiento, que no sensibilizan a estas entidades muy ocupadas en mercer el beneplácito del gobierno cubano y las ventajas de un tratamiento especial en sus visitas a la Isla en festivales de cine, arte y cultura. Por otro lado, la presencia de obras realizados por cineastas del exilio es precaria cuando no inexistente en los festivales internacionales y en exclusiva cuando no es cuestionadora del régimen. La tendencia es a ignorar las obras de estos cineastas y declararlos incompetente desde el instante que abandonan la tutela dictatorial.
En varias ocaciones obras realizadas por cubanos en el exilio ha sido presentadas en dicho festival y han recibido una débil recepción cuando no la total ignorancia, mientras que filmes realizados por cineastas que viven en la isla han sido programados y extensamente promovidos en la media. Por supuesto estas películas llevan el sello emblemático de Made in Cuba, que les garantiza un reconocimiento de puerto de origen y una presupesta genuina expresión de arte, cultura y el sentir de su pueblo. Pero no siempre es así. En varias ocaciones estos filmes traen un disursos mediatizado sobre la realidad que vive el cubano en la isla, ya sea por la ferrea censura de su gobierno como por las posiciones oportunistas de participación. Se que hay, producto de mi propia experiencia, realizadores honestos que se hayan amordazados y no quieren jugarse el pequeño espacio de libertad y de expresión que la dictadura les ofrece a cambio del silencio y la complicidad. No todos tenemos la dignidad del martirologio, escapar del horror es también una de las formas de superviviencia.
Los cineastas cubanos que vivimos fuera del país y que aún insistimos en realizar filmes nos vemos en la situación de identificar nuestras producciones de acuerdo al país donde vivimos o donde se haya producido el film, restándole en festivales y muestras de cine la identidad nacional del creador y colocándolas fuera de consideraciones de autenticidad. Esto las condenan a un limbo competitivo con otras grandes producciones internacionales, ya que no existe el sello Made in Cuban Exiled o en el caso de los cinestas residentes de los Estados Unidos, Film Cubano-Americano u otras formas de identificar el origen de sus creadores. Nuestras obras son tiradas a la arena del circo a competir en una contienda de "león a mono amarrado", en el mejor de los casos. Por mi parte, continuaré utilizando el patronímico “cubano-americano” en mis filmes hasta el día que todo cambie y tanto los de la isla como los de afuera puedan expresarse libremente y sus discursos crean una diversidad temática y estilí1istica reconocida por su talento y no por el sello de su procedencia.
Por Sergio Giral
Todo artista por muy humilde o sencillo que fuera aspira a trascender su tiempo de vida y el reconocimiento de su obra. Este sentimiento es tan genuino como la necesidad intrínseca de crear. Si tomamos por ejemplo a Van Gogh, caeríamos en la duda si realmente abrigaba estas aspiraciones o solamente respondía a una imperiosa necesidad de pintar producto de su propia angustia existencial. En realidad no lo sabemos, pero nos podemos imaginar que sí, sino como entender que vendiera sus cuadros al hermano Theo y no los destruyera en pedazos como hizo con su famosa oreja. Existen también la extrema necesidad de trascender como es el caso de Eróstrato, quién destruyó el templo de Diana y al ser condenando a muerte por su crimen expresó “que poco precio para la eternidad”. Esto de la trascendencia domina la historia universal y junto a este sentimiento humano también existe un crimen tan demoledor como el del propio Eróstrato: la censura.
A lo largo de los 51 años de existencia de la industria de cine cubana creada en los albores del régimen castrista, varios directores de cine y especialista del género abandonaron la filas oficiales y partieron a un destino incierto, que en el mejor de los casos les permitió continuar la realización de películas en terminos relativos a su obra, generalmente sin el apoyo de una industria administrada por el Estado. En el peor de los casos, fueron condenados al silencio y al ostracismo, hasta que sus nombres y su obra quedaran olvidadas en los anales de la producción cinematográfica mundial, ni siquiera con las ventajas del iconoclasta Eróstrato. Las entidades internacionales dedicadas a la preservación y difusión del arte y las culturas nacionales generalmente enfocan sus percepciones hacia obras reconocidas por gobiernos y regímenes sin tomar en cuenta que en estos existen artistas vetados y censurados cuya obra ha sido escondida o sacada de la circulación. Este tiende a ser el caso del cine realizado por cineastas que abandonaron el barco del naufragio y nadaron hasta la orilla. Es de apreciar que algunos especialistas han rescatado nombres y títulos en manuales dedicados a la historia del cine cubano pero su gestión ha quedado a niveles del conocimiento, que no sensibilizan a estas entidades muy ocupadas en mercer el beneplácito del gobierno cubano y las ventajas de un tratamiento especial en sus visitas a la Isla en festivales de cine, arte y cultura. Por otro lado, la presencia de obras realizados por cineastas del exilio es precaria cuando no inexistente en los festivales internacionales y en exclusiva cuando no es cuestionadora del régimen. La tendencia es a ignorar las obras de estos cineastas y declararlos incompetente desde el instante que abandonan la tutela dictatorial.
En varias ocaciones obras realizadas por cubanos en el exilio ha sido presentadas en dicho festival y han recibido una débil recepción cuando no la total ignorancia, mientras que filmes realizados por cineastas que viven en la isla han sido programados y extensamente promovidos en la media. Por supuesto estas películas llevan el sello emblemático de Made in Cuba, que les garantiza un reconocimiento de puerto de origen y una presupesta genuina expresión de arte, cultura y el sentir de su pueblo. Pero no siempre es así. En varias ocaciones estos filmes traen un disursos mediatizado sobre la realidad que vive el cubano en la isla, ya sea por la ferrea censura de su gobierno como por las posiciones oportunistas de participación. Se que hay, producto de mi propia experiencia, realizadores honestos que se hayan amordazados y no quieren jugarse el pequeño espacio de libertad y de expresión que la dictadura les ofrece a cambio del silencio y la complicidad. No todos tenemos la dignidad del martirologio, escapar del horror es también una de las formas de superviviencia.
Los cineastas cubanos que vivimos fuera del país y que aún insistimos en realizar filmes nos vemos en la situación de identificar nuestras producciones de acuerdo al país donde vivimos o donde se haya producido el film, restándole en festivales y muestras de cine la identidad nacional del creador y colocándolas fuera de consideraciones de autenticidad. Esto las condenan a un limbo competitivo con otras grandes producciones internacionales, ya que no existe el sello Made in Cuban Exiled o en el caso de los cinestas residentes de los Estados Unidos, Film Cubano-Americano u otras formas de identificar el origen de sus creadores. Nuestras obras son tiradas a la arena del circo a competir en una contienda de "león a mono amarrado", en el mejor de los casos. Por mi parte, continuaré utilizando el patronímico “cubano-americano” en mis filmes hasta el día que todo cambie y tanto los de la isla como los de afuera puedan expresarse libremente y sus discursos crean una diversidad temática y estilí1istica reconocida por su talento y no por el sello de su procedencia.
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